Hvad er kinematografi?
Udøvelsen af visuel historiefortælling er kernen i filmproduktion. Det er denne fortællekunst kombineret med fotografering og arbejde med et kamera i en film, der kaldes kinematografi.
Kinematografi, som et udtryk, bruges ikke kun inden for underholdningsområdet; det kan også bruges i videnskab, erhvervsliv og massemedier. Ifølge definitionen givet af American Society of Cinematographers (ASC), er kinematografien ikke kun dokumentationen for, hvad der sker; det skaber også en original kunst ved en oplysende og kreativ proces.
At fortælle din egen unikke historie ved at udtænke et visuelt sprog kræver medfødt naturligt talent og faglig viden fotografiske færdigheder. Udover fotografering bruger en filmfotograf andre medier som billedmanipulation, organisation, ledelse osv. for at opnå det ønskede resultat. Hvis en film skal vises på det store lærred, bruger filmskabere typisk det meste af deres budget på film af høj kvalitet.
Hvad laver en filmfotograf?
Også kendt som Director of Photography (DP), er filmfotografer dem, der fanger historien i billeder ved hjælp af et kamera. Biografer skal styre alle filmens visuelle elementer, som f.eks belysning, komposition, farvetoner, kamerabevægelser og sådan noget. Så om en scene skal optages i vidvinkel eller tæt på, høj eller lav, skarp eller sløret; det hele bestemmes af filmfotografen.
Biografer leder hele besætningen, der arbejder på kameraet og lysene i en film. Deres rolle er at arbejde sammen med direktøren for at sikre, at direktørens vision bliver opfyldt. De skal arbejde i et team, der involverer kompleks beslutningstagning.
Normalt giver en instruktør en brief om, hvordan en scene skal se ud visuelt, og det har filmfotografen ansvaret for at opnå. I de fleste tilfælde ville filmfotografen have masser af kreativ frihed. Direktøren kan dog også give præcise instruktioner om det præcise resultat, hun ønsker.
American Society of Cinematographers uddeler de bedste filmfotografer i branchen. De giver dem mulighed for at bruge "ASC" før deres navne på filmteksterne.
Her er nogle af en filmfotografs ansvar i detaljer:
Kameraopsætning og placering
Filmfotografen skal beslutte, hvor kameraet skal placeres i et bestemt skud. Hvis filmfotografen vælger at lægge afstand mellem motivet og kameraet, så ville det formidle en anden betydning, end når kameraet er på tæt hold. De skal beslutte, hvilket kamera og hvilke objektiver de skal bruge til at skildre en bestemt stil og betydning. Nogle vigtige faktorer i kameraet er opløsningen, farveprøvetagningen og lukkeren, som hjælper filmfotografer med at udtrykke det bedste med lys og position. Vigtigheden er ikke kun kvaliteten, men også hvordan det visuelle fortæller historien.
Kamera bevægelse
Kamerabevægelser spiller også en afgørende rolle i at bestemme, hvordan filmen ville vise sig at være. Normalt i en actionfilm følger filmfotografer handlingen gennem kameraet for at formidle den hurtige bevægelse, mens de måske holder kameraet stille for at vise øjeblikkets intensitet.
Sammensætning
Kompositionen er det, der bestemmer, hvordan en scene vil se ud. Biografer skal bestemme, hvor hvert element i en bestemt scene skal placeres. De kan beslutte, om de vil vise eller skjule visse elementer i rammen. En stram indramning af et emne kan bringe følelser frem eller skabe mystik om, hvad der sker omkring emnet. En scene kan også portrætteres på en måde, så motivet i filmen måske ikke indser, hvad der sker rundt omkring, mens publikum gør det. Sådanne kompositionsmetoder kan bestemme, hvordan publikum vil fortolke historien.
Samordning
Biografer skal koordinere med andre medlemmer af besætningen, som en lokationschef for at undersøge stederne og finde ud af kameraets udsigtspunkter. De kan give deres feedback om placeringerne til instruktøren og forbedre det visuelle.
Belysning
Har du nogensinde lagt mærke til, at en thrillerfilm normalt er ret mørkt oplyst, mens en komedie er lys? Belysning er noget, folk ikke bemærker naturligt. Men det ændrer stemningen i filmen. High-key belysning bruges ofte til at vise sjove, glade følelser, og low-key belysning bruges ofte til at vise mystiske og humørfyldte følelser. Derfor skal filmfotografer være eksperter i det og lære både kunstigt og naturligt lys. Og de skal vide, hvordan man bringer den rigtige kontrast, dybde og former i en scene. Biografer designer lyssystemet til hele filmen, og Lead Lighting Technician er den person, der skal udføre designet.
Kameraer og objektiver til filmfotografer
Det er filmfotografens ansvar at vælge det kamera, der skal bruges til at lave en film. Filmfotografen skal beslutte, om han vil bruge et filmkamera eller et digitalt, hvilke typer linser der skal bruges, hvilken kameraindstilling der skal bruges, og hvilket andet udstyr der kræves.
Hvis filmen har et stort budget, betyder det ikke, at den kan bruges til at få et dyrt kamera. Der er mange andre faktorer, der skal tages i betragtning, som hvor mange linser der kræves, hvor meget det ville koste for belysningsopsætningen og sådan. Den vigtigste afgørende faktor for valg af udstyr bør være dets evne til at fortælle historien. Selv film, der har millioner af dollars i budget, bruger billigere muligheder, hvis det tjener historien bedre.
Et filmkamera kan bruges til at vise korn og tekstur. Digitalkameraet giver derimod et rent billede. Digitale kameraer giver også mulighed for at bruge en bredere lukker end filmkameraer. Du kan også optage i forskellige filformater, hvilket hjælper med at give mere fleksibilitet i efterproduktionen.
Objektiver
Prime linser bruges mere til at lave en film. Prime-objektiverne har fast brændvidde, og de giver resultater i meget højere kvalitet end et zoomobjektiv. Biografer bruger 21 mm, 28 objektiver til at få et vidbillede, 50 mm til mellemstore billeder og 85 mm til 105 mm til portrætbilleder. En af de mest almindelige monteringer til objektiver i de uafhængige produktioner er Canon EF-fatning. Mens der er i store produktionshuse, bruges ARRI PL-mount. Linserne kan udskiftes ved at bruge speed booster eller adaptere.
Hvad er nogle almindelige kinematografiteknikker?
Find en kreativ løsning
At finde anderledes og unikke måder at optage på kan føre til en kinematografisk teknik, der hjælper med at nå instruktørens visuelle mål. Dette kan også kræve, at man laver en detaljeret strategi for, hvordan man går frem for at få skud. Da Stanley Kubrik optog filmen, ønskede Barry Lyndon, filmfotografen John Alcott at optage hele filmen i naturligt lys. De ønskede endda at rykke grænserne ved at skyde med levende lys til indendørs scener. Til dette lånte de en speciel linse fra NASA, der gjorde det muligt. Og resultatet af al denne indsats var et mesterværk.
Fokuser på historien
Kreativ filmstil er vigtig, men ikke mere end historien. Hvis en historie ikke er god eller ikke korrekt vist, vil det ikke gøre filmen fantastisk at have bare gode visuelle effekter eller teknikker.
Om dette sagde Roger Deakins, den store filmfotograf: "Der er intet værre end et prangende skud eller en eller anden belysning, der henleder opmærksomheden på sig selv, og du kan sige, "Åh, wow, det er spektakulært." Eller det spektakulære skud, et stort krantræk eller noget. Men det er ikke nødvendigvis det rigtige for filmen - man springer ud, man tænker på overfladen, og man bliver ikke derinde med karaktererne og historien." Det visuelle udseende af filmen bør være baseret på den faktor, der gør filmen bedre.
Administrer tiden effektivt
Kinematografi er et fyldt arbejde. Du skal konstant interagere med forskellige afdelingsledere. Tid, som penge, ville aldrig være nok. Den første AD vil være på hovedet for at afslutte opgaverne og i sidste ende filmen til tiden. Det er bedre at planlægge dækning, opsætninger, belysningsplaner grundigt, før du starter optagelsen. En filmfotograf kan bruge forskellige værktøjer til at styre deres opgaver.
Kend scriptet
En filmfotograf skal dog have den tekniske knowhow, men kreativitet spiller en lige så vigtig rolle. Mange gange er filmfotografen og kameraholdet ikke velbevandret med manuskriptet. Filmfotografen kan med det indgående kendskab til manuskriptet komme med nye forslag og spørgsmål til at gøre filmen bedre.
Brug relevant gear
At lave en fantastisk film betyder ikke at have det bedste kamera og de bedste objektiver. En filmfotograf skal lære, hvilket gear der kan hjælpe med at nå slutmålene. Dette kan betyde, at du ikke nødvendigvis bruger den fuldt udstyrede Alexa-pakke; selv ENG-kameraer kan gøre arbejdet.
Lær af de bedste
De store filmfotografer har også lært af de store før dem. En filmfotograf kan få viden og give den videre til næste generation ved at forbedre kinematografiteknikkerne. Orson Welles, der lavede den velroste film Citizen Kane sagde, at John Ford i høj grad inspirerede ham. Den legendariske filmfotograf John Ford er kendt for at opfinde forskellige lys- og kamerateknikker såsom western og chiaroscuro. Welles lærte teknikkerne fra Ford og skabte sine egne klassikere og udviklede innovative belysningsteknikker.
Lav kameratest
Det er vigtigt at lave ordentlige test før et optagelser. Forskellige komponenter kan gå galt, når selve optagelsen finder sted. En filmfotograf kan lave kameratesten ved at bruge chipvogne, farvekort og modeller. Ud over test er håndtering og vedligeholdelse af udstyret også vigtigt.
Find den bedste placering
En god placering kan løfte filmen til et andet niveau. Vær opmærksom på lys- og vejrforholdene på forskellige tidspunkter af dagen og året. En god placering ville betyde, at en filmfotograf og besætningen skal arbejde mindre. En dårlig placering ville kræve mere indsats for at opnå det ønskede resultat.
Vær ikke afhængig af postproduktion
Den bedste måde at få gode resultater på er at få det rigtigt i kameraet. Postproduktion kan hjælpe, men det vil ikke gøre en dårligt optaget video god. At arbejde med postproduktion vil tage mere tid og penge. En god filmfotograf gør brug af placering, belysning og andre optagelsesteknikker for at gøre kinematografien enestående.
Hvordan bliver man filmfotograf?
At gøre karriere inden for film er ikke en let opgave. Og der er ingen måde at blive filmfotograf på. Derfor er det en fordel at blive uddannet i analog eller digital filmproduktion. Uddannelsen vil give et bedre billede af branchen, udover undervisning om emnet.
En person kan tage et certifikatkursus, associeret grad eller en bachelorgrad i kinematografi. For at give filmjobs foretrækker arbejdsgiverne en kandidat med en bachelorgrad.
Et certifikatkursus vil lære filmfotografer teknikkerne på en hurtig måde. Det indebærer at lære om kamera og belysning og filmaktier. Den associerede grad vil omfatte forberedelse af det grundlæggende i film og tv, sammen med kinematografi, instruktion og lyddesign. Bacheloruddannelsen vil give praktisk træning i skydning og redigering, belysning, produktion, animation og ledelsesevner. Det ville også kræve, at filmfotografer arbejdede på et filmprojekt mod slutningen af kurset.
Efter endt uddannelse kan de se til at arbejde som produktionsassistent (PA) på et filmsæt. På denne måde vil en person lære færdigheder, som bruges af en filmfotograf. En person bliver normalt ikke filmfotograf umiddelbart efter uddannelsen. Man skal være en anden assistent, første assistent og til sidst den person, der betjener kameraet.
En filmfotograf kan begynde at arbejde på uafhængige film i begyndelsen af deres karriere. De kan derefter bevæge sig op mod den professionelle verden for at finde filmjobs. At arbejde på små teaterprojekter vil hjælpe dem med at skærpe deres færdigheder og opbygge kontakter i branchen. For at lave netværk bør filmfotografer deltage i fremvisninger, arrangementer på den røde løber, seminarer osv. De bør læse brancherelevante magasiner for at beholde opdateret med trends og viden.
Bedste filmskoler
University of California i Los Angeles
UCLAs skole for teater, film og tv-afdeling er en af de bedste underholdnings- og optrædener kunstinstitutioner i verden. Skolen tilbyder kandidat- og bacheloruddannelser i skuespil, instruktion, skrivning, kinematografi, lysdesign og mere
University of North Carolina School of the Arts i Winston-Salem
UNCSA har et stærkt læseplan og har en praktisk tilgang til at undervise. I de første to år bliver eleverne bedt om at skyde forskellige digitale projekter sammen med at lære dem i detaljer den moderne filmproduktion. UNCSA har et bachelorkursus i kinematografi sammen med andre kurser i filmskabelse som instruktion, animation, produktion, manuskriptskrivning osv.
University of Southern California i Los Angeles
USC er kendt for et stort antal alumner, det har produceret, herunder bemærkelsesværdige som George Lucas. Skolen tilbyder en bred vifte af kurser i filmkunst.
AFI Conservatory, Los Angeles
American Film Institute giver en praktisk tilgang til filmskabelse. AFI har velkendte alumner som David Lynch, Rachel Morrison og Darren Aronofsky. Konservatorieuddannelsen ledes af AFI's Center for Avancerede Film- og Tv-studier, som har kurser i blandt andet instruktion, produktion, skrivning og film.
Beijing Film Academy
BFA er den største filminstitution i Asien og løber fra 65 år. Filmskolen underviser i alle de ting, der er relateret til filmskabelse fra produktion, animation, kinematografi og meget mere. Akademiet er kendt verden over for sine resultater inden for filmproduktion.
Få kinematografiske terminologier
Shots - Optagelser er den mindste enhed i en film. Et enkelt skud er adskilt fra det andet ved snit eller overgange. Der er tusindvis af skud i en fortællende film.
Scener - Antallet af billeder taget i løbet af et bestemt tidsrum kaldes en scene. Når placeringen ændres, vil der også ske en ændring i scenen. Scener har i sig selv en begyndelse, en midte og en slutning. Og der ville være flere skud i en scene.
Sekvenser - Mange scener danner tilsammen en sekvens. Sekvenser har også en begyndelse, en midte og en slutning. En sekvens kan have flere placeringer. Der er omkring 20 sekvenser i en fortællende film.
Ekstremt langskud - Disse typer bredbilleder bruges, når motiverne skal vises i deres miljømæssige sammenhæng. Disse typer optagelser bruges også, når filmfotografen skal vise to forskellige steder.
Bird's Eye Shot - Bird's Eyeshot er også ekstremt bredt, men det er taget fra den øverste vinkel. I denne type skud begynder mønstre at dukke op fra en scene. Dette ses typisk i begyndelsen af en film.
Langt skud - I det lange skud kan folk se, hvad der sker i et område, men det er ikke tæt nok til at have en personlig forbindelse med motivet. Seeren føles som en del af scenen, som om du ser på nogen på afstand.
Mellem skud - Mellemskuddet bruges typisk til at vise folk i små grupper, hvor der er udveksling af dialoger. Dette skud er der endnu ikke på det følelsesmæssige plan. Ideen er at vise, hvad der sker på et lille område. Skuddet er generelt indrammet fra en persons talje og op. At få billedet lidt mere lys vil vise skuespillerens følelser.
Nærbillede - I nærbilledet vises for det meste en persons ansigt, så virkningen af karakterens følelser overføres til seerne.
Ekstremt nærbillede - Når du ser et ekstremt nærbillede af øjne, hånd eller en genstand, så tænk på dem som ekstreme nærbilleder. Disse billeder bruges til at gøre en scene intensiv.
Hollandsk vinkelskud - Dutch Angle Shot bruges, når en filmfotograf skal vise manglende stabilitet, eller når scenen kræver noget mere foruroligende. Denne teknik gøres ved at vippe kameraet mod den ene side, indtil bunden ikke længere er parallel med horisonten.
Over skulderen skud - Dette skud bruges typisk, når en karakter taler til den anden person eller ser på noget. I sådanne optagelser er en figurs skulder og hoved ude af fokus. Og det, karakteren ser på, er i fokus.
Tilt Shot - Tilt Shot bevæger kameraet typisk fra op til ned eller ned til op. Dette billede, når det kombineres med den samme bevægelse af motivet, kan give fantastiske resultater. Tilt-optagelser kan bruges i begyndelsen af filmen som et åbningsskud, eller til at afsløre noget i slutningen af optagelsen.
Panoreringsbillede - Panoreringsskud minder meget om vippeskuddet, men det udføres vandret. Dette billede er taget for at vise motivets vandrette bevægelse eller for at vise omgivelserne.
Zoom Shot - Zoombilledet tages for at øge fokus på motivet i en scene. Biografer er blevet bedre til at tage dette billede ved at vise zoomen mere naturligt.
Dolly Zoom Shot - Dolly-zoombilledet bevæger sig ind mod motivet på dolly-sporet med kameraet, mens kameraet jævnt zoomer ud på motivet.
Kraneskud - I kranbilledet bevæger kameraet sig mod motivet på en lodret translationel måde eller omvendt. Denne type skud er nu taget ved hjælp af droner; det var tidligere ved at bruge dyre kraner.
Sporingsskud -Sporingsskuddet bruger en dolly-bane eller en drone til at følge motivet. Dette billede viser mere livlighed til bevægelsen, hvilket ikke opnås, når kameraet er stabilt.
Første-persons skud/punkt-of-view skud - Point-of-view-billedet tages ved at montere kameraholderen på motivet og vise filmen fra deres perspektiv. Denne teknik bruges til at gøre filmen mere engagerende.
Bedste kinematografiske film nogensinde
Mordet på Jesse James af fejgen Robert Ford (2007): Roger Deakins samarbejdede med Andrew Dominik i denne film. Filmen regnes blandt de bedste westernfilm, hvor Deakins gør fantastisk brug af lys. Deakins brugte nogle gange de samme lys i selve optagelserne. Han er kendt for at tale med scenografer for at inkludere belysningsudstyret i sættene. Deakins har formået at give denne film udseendet af et falmet fotografi, som har et gammelt udseende, men stadig er skarpt, hvor der er teksturer.
Livets træ (2011): Instruktør Terence Malick arbejdede sammen med filmfotograf Emmanuel Lubezki på denne film, kendt for sin bedste kinematografi. Lubezki løftede instruktørens vision med sin film i verdensklasse. Han var i stand til at udforske filmens spirituelle kontekst på en genial måde ved at bruge lys kreativt. Filmen har mest gjort brug af naturligt lys. Lubezki har vist kampen på liv og død i filmen smukt. Ifølge Lubezki var det utroligt svært at arbejde med Terence på denne film. Det var som om instruktøren forsøgte at skabe en fejl og ulykker, hvilket førte til, at filmen så meget naturlig ud. De gjorde brug af naturlige elementer som vind, regn og sol i historien, hvilket hjalp dem med at fange de øjeblikke, hvilke smukke øjeblikke, der ikke varer længe.
In the Mood for Love (2000): En af de bedste kinematografiske film, In the Mood for Love, er et samarbejde mellem tre filmfotografer: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan og Ping Bin Lee. Filmografien er lavet på en så hemmelighedsfuld måde. Seerne føler, at de nyster ind i de to karakterers liv; som udvikler et hemmeligt forhold i filmen. Den nysgerrige følelse opnås ved gennemtænkt placering og indramning af kameraet. Sporingsbilleder, der viser bagsiden af karaktererne, bidrager også til mysteriet.
The Immigrant (2013): Kendt for sin bedste kinematografi, Darius Khondji, viser denne film som en svær at huske klassiker. Khondji har arbejdet på nogle fantastiske film som Evita, Seven, Midnight in Paris osv. Han har med succes været i stand til at vise 1920'ernes New York-scene i denne film, sammen med at gøre den amerikanske drøm mere tiltalende.
Langt fra himlen (2002): Ed Lachman, filmfotografen på filmen, har samarbejdet med instruktøren Todd Haynes om mange projekter, men "Far from Heaven" er optaget på et helt nyt niveau. Lachmans udfordring var at skabe udseendet af et overhead-gitterlys, hvor farvetonerne skulle mættes. Han var nødt til at arbejde med 2002-film i denne film, og alligevel formåede han at vise karakterernes følelser med fascinerende farvepaletter.
Som en aspirerende filmfotograf skal du have en velstruktureret hjemmeside, der viser din portefølje på en ren, minimalistisk måde. Din hjemmeside vil repræsentere din arbejdsstil og tiltrække flere kunder og forespørgsler. Der er masser af muligheder, men du skal sikre dig, at seerne forstår ideen og konceptet bag dit arbejde, uanset om det er film, videoproduktion eller instruktion.