1. Sie wurden von prominenten Aktivisten erzogen. Wie spiegelt sich diese radikale Erziehung in Ihrer heutigen Arbeit wider?
Meine Erziehung hat mich stark geprägt – nicht nur in Bezug auf meine Werte, sondern auch in Bezug darauf, wie ich mich in der Welt bewege. Ich bin in einem Elternhaus aufgewachsen, in dem Aktivismus nicht abstrakt, sondern alltäglich gelebt wurde. Meine Eltern lebten ihre Überzeugungen, und dieses Gefühl der Zielstrebigkeit – das eigene Leben an tieferen ethischen Verpflichtungen auszurichten – ist mir geblieben. Es hat mich gelehrt, vorherrschende Narrative zu hinterfragen, mich für Ungerechtigkeit einzusetzen und zu glauben, dass kreative Arbeit auf gewisse Weise eine Berufung sein kann.
2. Ihre Kunst bewegt sich zwischen Theologie und Mythos. Was verbindet diese Einflüsse für Sie?
Im Kern geht es in meiner Arbeit um Zerlegung und Neugestaltung – darum, die Erzählungen, Symbole und Strukturen, die meine Erziehung geprägt haben, auseinanderzunehmen und sie in neuen Formen wieder zusammenzusetzen. Theologie und Mythen prägten mein Weltverständnis als Kind. Was alles verbindet, ist der Impuls, die Mechanismen des Glaubens zu untersuchen – wie Geschichten, Rituale und Bilder Bedeutung und Macht erzeugen – und diese Formen und Symbole mit Sorgfalt, Druck und Offenheit für das, was entstehen könnte, aufzulösen und neu zu erschaffen.
3. Sie erschaffen oft immersive Welten. Handelt es sich dabei um imaginäre Rituale für andere oder um zutiefst persönliche Rituale, die sichtbar gemacht werden?
Ich betrachte sie als Erinnerungsstrukturen – teils persönlich, teils kollektiv, teils imaginär. Wie Erinnerungen sind sie fragmentiert, halb lesbar und verändern sich ständig. Manche Elemente wurzeln in meiner gelebten Erfahrung; andere sind aus Mythen, Theologie oder Träumen zusammengesetzt. Ich versuche nicht unbedingt, anderen ein Ritual vorzuschreiben, sondern vielmehr einen Raum zu schaffen, in dem etwas gefühlt oder erkannt werden kann – wie abstrakt auch immer.
4. Religiöse Ikonographie spielt in Ihrer Praxis eine zentrale Rolle. Wie sehen Sie sich im Verhältnis zum heutigen Katholizismus – als Herausforderer, Erbe oder Alchemist?
Ich kann mich mit keiner dieser Bezeichnungen vollständig identifizieren. Ich sehe mich eher als Ausgräber.
Ich gehe nicht mit einer Agenda an die Arbeit. Wenn es ein Muster in meinem Schaffen gibt, dann liegt es daran, dass ich immer wieder bestimmte Themen umkreise – Geschichte, Erinnerung, Theatralik, Machtstrukturen. Ich versuche auch zu verstehen, was es wert ist, gerettet zu werden, und warum wir so handeln, wie wir es tun. Es ist eine Art metaphysische Ausgrabung. Aber ich setze mich nicht mit einer These im Kopf hin. Das sind einfach die Orte, an die ich immer wieder zurückkehre. Ich bin misstrauisch gegenüber Überintellektualisierung, denn für mich ist das der Sinn der Kunst: Sie ermöglicht mir, mich mit diesen Dingen auseinanderzusetzen, wie es Sprache oft nicht kann.
5. Was kommt in Ihrem Prozess zuerst – das Konzept, das Objekt oder das Ritual?
Oft beginne ich mit dem Schreiben. Es ist nicht immer ausgefeilt oder für jedermann lesbar, aber es hilft mir, die Atmosphäre oder Logik einer Welt zu erfassen, bevor ich sie aufbaue. Schreiben eröffnet Möglichkeiten – es verleiht Instinkten Gestalt, die sich visuell noch nicht materialisiert haben. Mein Vater war Schriftsteller, daher vermute ich, dass dieser Impuls tief in mir sitzt, auch wenn ich mich nicht für besonders begabt halte. Ich genieße den erzählerischen Raum, der dadurch entsteht. Trotzdem bin ich nicht starr. Manchmal weist mir ein Objekt oder ein Material den Weg, und ich folge ihm. Manchmal taucht zuerst eine performative Geste oder ein ritueller Instinkt auf. Ich versuche, auf alles einzugehen, was auftauchen will.
6. Ihre Textilfiguren wirken wie mythische Avatare. Sind sie Erweiterungen Ihrer selbst oder Stellvertreter für etwas Größeres?
Ich bin mir nicht sicher, ob es da eine klare Trennung gibt. In meinen Augen sind das Persönliche und das Mythische eng miteinander verwoben. Die Figuren, die ich erschaffe, mögen aus einem inneren Ort kommen, aber sie tragen auch archetypisches Gewicht – sie greifen auf etwas Größeres als mich selbst zurück. Ich betrachte sie als Gefäße oder Projektionen – teils Selbst, teils Geschichte, teils kollektiver Überrest. Sie bergen Widersprüche, genau wie Menschen. Also ja, sie sind Erweiterungen von mir, aber sie reichen auch über mich hinaus, geformt von Kräften und Abstammungen, die ich noch immer zu verstehen versuche.
7. Was fasziniert Sie an Materialien wie Bungee-Seilen, Kirchenbänken oder kirchlicher Kleidung?
Ich fühle mich zu Materialien hingezogen, die zugleich heilig und industriell wirken – Objekte, die symbolische Bedeutung haben, aber auch auf Überleben, Krise und gelebte Erfahrung verweisen. Bungee-Seile zum Beispiel sind synthetisch und praktisch, während Kirchenbänke oder kirchliche Gewänder eine starke spirituelle und historische Bedeutung haben. Ihre Kombination erzeugt Spannung – etwas Unheimliches. Sie werden zu einer Mischung aus Heiligem und Profanem. Ich mag es, wenn sich Materialien vertraut und doch etwas fremd anfühlen – von ihrem ursprünglichen Zweck losgelöst und zu etwas Aufgeladenem und Fremdartigem neu zusammengesetzt.
8. Erzählen Sie uns von Ihrem kommenden Film *Salvation Machine: A Mass of Abwoon Dominus.
Erlösungsmaschine ist ein Kurzfilm über Handlungsfähigkeit und den Zustand des Geworfenseins – das verwirrende Gefühl, in vorgefertigte Glaubens-, Autoritäts- und Bedeutungsstrukturen gefangen zu sein. Er folgt einer priesterähnlichen Figur in Smoking und vergoldeter Maske. Der Film zeichnet eine Prozession nach, die auf idyllischen Feldern beginnt und sich langsam in den Wald zieht, wo sich die Gemeindemitglieder in ehrfürchtiger Anonymität zu einem mehrdeutigen Ritual versammeln. Der Film enthält außerdem eine Ambient-Musik des brillanten Komponisten Thomas Hunter. Ohne seine und andere große Unterstützung hätte ich dieses Projekt nicht realisieren können. Es war unglaublich bewegend, mit so einer talentierten Gruppe von Menschen zusammenzuarbeiten. Vorführungen sind beim Wassaic Project während des Upstate Art Weekend und bei Queensway Television in Singapur – einem Ableger der DDDD Gallery in New York City – geplant. Weitere Vorführungen werden noch bekannt gegeben.
9. Ihr Film feiert seine Premiere im Roxy Cinema in New York City und wird in den nächsten Monaten im Wassaic Project im Hudson Valley und bei Queensway Television in Singapur gezeigt. Wie verändern unterschiedliche Räume Ihre Herangehensweise?
Ich reagiere definitiv auf Raum und Kontext. Roxy wird eine theatralische Inszenierung mit Künstlergespräch und Fragerunde sein. Das ist für mich eine Premiere, daher bin ich super aufgeregt und dankbar, meinen neuen Film in diesem Kontext zu präsentieren. Beim Wassaic Project bin ich Teil der Sommer-Gruppenausstellung „So It Goes“, wo ich sechs Skulpturen in einem eigenen Raum präsentieren werde. Der Raum ist im Stil einer horrorartigen Kapelle gestaltet – theatralisch in seiner Präsentation. Im Gegensatz dazu ist die Präsentation bei Queensway Television in Singapur eine einmonatige Vorführung meines Films. Es ist eine fokussiertere, zeitbasierte Installation, bei der die Umgebung um den Film selbst herum aufgebaut ist.
10. Performance scheint in Ihre Installationen eingeflochten zu sein. Soll Ihre Arbeit beobachtet oder erlebt werden?
Ich würde sagen, es ist zum Erleben gedacht. Ich glaube, wir Menschen können oft gar nicht anders, als uns selbst in den narrativen Rahmen zu versetzen – wir projizieren, wir stellen uns vor, wir fügen uns ein. Denken Sie an Filme – und die Art filmischer Osmose, die dabei entsteht. Vielleicht ist es genau das, was ich mit meinen Installationen erreichen möchte – diesen Moment der Alchemie, in dem der Betrachter in den Rahmen schlüpft und die Grenze zwischen Beobachten und Erleben verschwimmt. Es geht nicht ums Geschichtenerzählen im wörtlichen Sinne, sondern darum, eine Art filmisches oder mythisches Selbstbewusstsein auszulösen. Hoffentlich wird die Arbeit zu einem Raum, in dem etwas Inneres aktiviert wird. Der Bezugspunkt sind immer wir selbst – unsere Körper, unsere Erinnerungen, unsere Mythen –, deshalb versuche ich, Arbeiten zu schaffen, die diese Art innerer Aktivierung fördern.
11. Haben Sie das Gefühl, dass die Kunstwelt heute offener für hybride Praktiken ist – oder agieren Sie immer noch am Rande?
Ich denke, die Kunstwelt ist offener für interdisziplinäre und hybride Praktiken. Gleichzeitig stellen diese oft höhere Anforderungen an die Institutionen – mehr Platz, mehr Produktionsunterstützung und mehr kuratorische Investitionen. Obwohl Interesse besteht, kann es dennoch schwierig sein, Strukturen zu finden, die den Umfang und die Komplexität der Arbeit voll unterstützen.
12. In welchen emotionalen Raum sollen die Betrachter versetzt werden, wenn sie mit Ihren Werken in Berührung kommen?
Ich versuche, keine emotionale Reaktion vorzuschreiben – das bleibt letztlich dem Betrachter überlassen. Mein Ziel ist es, eine aufgeladene Atmosphäre zu schaffen, einen Raum, der eher anregt als belehrt. Wenn die Arbeit ein Gefühl auslöst – sei es Unbehagen, Neugier oder etwas Schwererzubenennendes –, dann erfüllt sie ihren Zweck. Mir geht es mehr darum, Bedingungen für ein Erlebnis zu schaffen, als vorzuschreiben, wie sich dieses Erlebnis entfalten soll.
13. Wie haben Aufenthalte wie im Vermont Studio Center Ihre Arbeit und Ihren Rhythmus beeinflusst?
Das Vermont Studio Center war eine unglaubliche Erfahrung. Ich hatte großes Glück und bin zutiefst dankbar, als Emily Mason und Wolf Kahn Fellow mit voller Finanzierung dabei sein zu dürfen. Diese Unterstützung ermöglichte es mir, mich voll und ganz auf meine Arbeit zu konzentrieren – sie gab mir Zeit, Raum und Freiheit vom Alltagsstress, was ein seltenes Geschenk ist. Die Mitarbeiter – von der Verwaltung über die Küche, die Räumlichkeiten bis hin zu den Kunsttechnikern – waren alle großzügig und freundlich, und die Künstlergemeinschaft machte es zu einem ganz besonderen Umfeld. Es war eine bedeutsame Zeit des Wachstums, und ich hoffe sehr, wiederzukommen.
14. Sie verwenden Pixpa für Ihre Website seit über einem Jahrzehnt. Was hat Sie all die Jahre an der Plattform gehalten und wie hat sie Ihre sich entwickelnde Praxis unterstützt?
Pixpa war über die Jahre eine großartige Plattform für mich. Was mich überzeugt hat, ist der menschliche Aspekt – ich kann mich mit Fragen oder Problemen an jemanden wenden und bekomme tatsächlich eine Antwort von einem echten Menschen – das ist selten und wird sehr geschätzt. Die Bedienung ist außerdem super intuitiv, sodass ich meine Website problemlos aktualisieren und anpassen kann, wenn sich meine Arbeit weiterentwickelt. Diese Kombination aus Zuverlässigkeit, Reaktionsfähigkeit und Einfachheit hat sie zu einem zuverlässigen Partner in meiner Praxis gemacht.
15. Was soll Ihrer Meinung nach jemandem im Gedächtnis bleiben, wenn er Ihre Arbeit zum ersten Mal sieht?
Ich kann das nicht wirklich beantworten, da es nicht mein Fachgebiet ist, aber hoffentlich hinterlässt das Werk eine gewisse Atmosphäre – etwas Aufgeladenes und leicht Unheimliches. Keine Botschaft, sondern ein Gefühl, das nachklingt. Wenn es jemanden dazu anregt, über seinen Platz in größeren Kräften nachzudenken – und sei es noch so kurz –, ist das großartig.
Möchten Sie Johns beeindruckende Arbeit sehen? Hier ist ein Link zu Johns Website gebaut mit Pixpa.
