Anisha Singh le 28 novembre 2019
Qu'est-ce que la Cinématographie ?
La poursuite de la narration visuelle est au cœur de la réalisation de films. C'est cet art de la narration, combiné à la photographie et au travail avec une caméra dans un film, qu'on appelle la cinématographie.
La cinématographie, en tant que terme, n'est pas seulement utilisée dans le domaine du divertissement ; il peut également être utilisé dans les sciences, les affaires et les médias de masse. Selon la définition donnée par l'American Society of Cinematographers (ASC), la cinématographie n'est pas seulement la documentation de ce qui se passe ; c'est aussi créer un art original par un processus éclairant et créatif.
Raconter votre propre histoire unique, en concevant un langage visuel, nécessite un talent naturel inné et une connaissance des compétences professionnelles. compétences en photographie. Outre la photographie, un directeur de la photographie utilise d'autres médiums tels que la manipulation d'images, l'organisation, la gestion, etc. pour obtenir le résultat souhaité. Si un film doit être projeté sur grand écran, les cinéastes consacrent généralement la majeure partie de leur budget sur une cinématographie de haute qualité.
Que fait un directeur de la photographie ?
Aussi connu sous le nom de directeur de la photographie (DP), les directeurs de la photographie sont ceux qui capturent l'histoire en visuels à l'aide d'un appareil photo. Les directeurs de la photographie doivent gérer tous les éléments visuels du film, tels que éclairage, composition, tonalités de couleur, mouvements de caméra, etc. Ainsi, qu'une scène doive être prise en grand angle ou en gros plan, en haut ou en bas, nette ou floue ; tout est décidé par le directeur de la photographie.
Les directeurs de la photographie dirigent toute l'équipe qui travaille sur la caméra et les lumières d'un film. Leur rôle est de travailler avec le réalisateur pour s'assurer que la vision du réalisateur est réalisée. Ils doivent travailler dans une équipe impliquant des prises de décisions complexes.
Habituellement, un réalisateur donne un aperçu de l'aspect visuel d'une scène, et le directeur de la photographie a la responsabilité d'y parvenir. Dans la plupart des cas, le directeur de la photographie aurait une grande liberté de création. Cependant, la réalisatrice peut également fournir des instructions précises sur le résultat exact qu'elle souhaite.
L'American Society of Cinematographers récompense les meilleurs directeurs de la photographie de l'industrie. Ils leur permettent d'utiliser "ASC" avant leurs noms au générique du film.
Voici quelques responsabilités d'un directeur de la photographie en détail :
Configuration et placement de la caméra
Le directeur de la photographie doit décider où placer la caméra dans un plan particulier. Si le directeur de la photographie choisit de mettre de la distance entre le sujet et la caméra, cela aurait alors une signification différente que lorsque la caméra est à courte distance. Ils doivent décider quel appareil photo et quels objectifs utiliser pour représenter un style et une signification particuliers. Certains facteurs importants de la caméra sont la résolution, l'échantillonnage des couleurs et l'obturateur, qui aident les directeurs de la photographie à exprimer le meilleur de la lumière et de la position. L'importance n'est pas seulement la qualité, mais la façon dont les visuels racontent l'histoire.
Mouvement de la caméra
Le mouvement de la caméra joue également un rôle essentiel dans la détermination de la façon dont le film se révélerait. Habituellement, dans un film d'action, les directeurs de la photographie suivent l'action à travers la caméra pour transmettre le mouvement rapide tout en gardant la caméra immobile pour montrer l'intensité du moment.
Composition
La composition est ce qui décide de l'apparence d'une scène. Les cinéastes doivent déterminer où placer chaque élément d'une scène particulière. Ils peuvent décider d'afficher ou de masquer certains éléments du cadre. Cadrage serré d'un sujet peut faire ressortir des émotions ou créer du mystère sur ce qui se passe autour du sujet. Une scène peut également être représentée de manière à ce que le sujet du film ne réalise pas ce qui se passe pendant que le public le fait. De telles méthodes de compositions peuvent déterminer comment le public interprétera l'histoire.
Coordination
Les directeurs de la photographie doivent se coordonner avec d'autres membres de l'équipe, comme un régisseur d'emplacement, pour effectuer des recherches sur les lieux et déterminer les points de vue de la caméra. Ils peuvent fournir leurs commentaires sur les lieux au réalisateur et améliorer les visuels.
Lighting
Avez-vous déjà remarqué qu'en général, un film à suspense est assez sombre alors qu'une comédie est lumineuse ? L'éclairage est quelque chose que les gens ne remarquent pas naturellement. Mais cela change l'ambiance du film. Un éclairage intense est souvent utilisé pour montrer des émotions amusantes et heureuses, et un éclairage discret est souvent utilisé pour montrer des émotions mystérieuses et de mauvaise humeur. Par conséquent, les directeurs de la photographie doivent être des experts dans ce domaine et doivent apprendre à la fois la lumière artificielle et la lumière naturelle. Et ils doivent savoir comment apporter le bon contraste, la profondeur et les formes dans une scène. Les directeurs de la photographie conçoivent le système d'éclairage pour l'ensemble du film, et le technicien d'éclairage principal est la personne qui exécutera la conception.
Caméras et objectifs pour les cinéastes
Il est de la responsabilité du directeur de la photographie de sélectionner la caméra utilisée pour réaliser un film. Le directeur de la photographie devra décider s'il utilisera un appareil photo argentique ou numérique, quels types d'objectifs seront utilisés, quel réglage de l'appareil photo sera nécessaire et quels autres équipements seront nécessaires.
Si le film a un gros budget, cela ne signifie pas qu'il peut être utilisé pour obtenir une caméra coûteuse. Il y a beaucoup d'autres facteurs à prendre en compte, comme le nombre de lentilles nécessaires, le coût de la configuration de l'éclairage, etc. Le principal facteur décisif pour le choix de l'équipement devrait être sa capacité à raconter l'histoire. Même les films qui ont des millions de dollars de budget utilisent des options moins chères si elles servent mieux l'histoire.
Une caméra argentique peut être utilisée pour montrer les grains et la texture. L'appareil photo numérique, d'autre part, donne une image propre. Les appareils photo numériques offrent également la possibilité d'utiliser un obturateur plus large que les appareils photo argentiques. Vous pouvez également filmer dans différents formats de fichiers, ce qui contribue à donner plus de flexibilité en post-production.
Lentilles
Les objectifs fixes sont plus utilisés dans la réalisation d'un film. Les objectifs principaux ont une distance focale fixe et ils donnent des résultats de bien meilleure qualité qu'un zoom. Les cinéastes utilisent les objectifs 21 mm, 28 pour obtenir un plan large, 50 mm pour les plans moyens et 85 mm à 105 mm pour les portraits. L'une des montures les plus courantes pour les objectifs dans les productions indépendantes est la monture Canon EF. Alors que dans les grandes maisons de production, la monture ARRI PL est utilisée. Les lentilles peuvent être interchangées en utilisant un booster de vitesse ou des adaptateurs.
Quelles sont les techniques cinématographiques courantes ?
Trouver une solution créative
Trouver des façons différentes et uniques de tourner peut conduire à une technique cinématographique qui aidera à atteindre l'objectif visuel du réalisateur. Cela peut également nécessiter d'élaborer une stratégie détaillée sur la façon d'obtenir les clichés. Lorsque Stanley Kubrik tournait le film, Barry Lyndon, le directeur de la photographie John Alcott voulait tourner tout le film en lumière naturelle. Ils ont même voulu repousser les limites en tournant à la lueur des bougies pour les scènes d'intérieur. Pour cela, ils ont emprunté un objectif spécial de la NASA qui a rendu cela possible. Et le résultat de tous ces efforts a été un chef-d'œuvre.
Concentrez-vous sur l'histoire
Le style créatif de la cinématographie est important, mais pas plus que l'histoire. Si une histoire n'est pas bonne ou n'est pas montrée de manière appropriée, avoir juste de bons effets visuels ou de bonnes techniques ne rendra pas le film génial.
À ce sujet, Roger Deakins, le grand directeur de la photographie, a déclaré : "Il n'y a rien de pire qu'un plan ostentatoire ou un éclairage qui attire l'attention sur lui-même, et vous pourriez vous dire : "Oh, wow, c'est spectaculaire." Ou ce plan spectaculaire, un gros mouvement de grue, ou quelque chose comme ça. Mais ce n'est pas nécessairement bon pour le film – vous sautez, vous pensez à la surface, et vous ne restez pas là avec les personnages et l'histoire. L'aspect visuel du film doit être basé sur le facteur qui rend le film meilleur.
Gérez efficacement votre temps
La cinématographie est un travail chargé. Vous devez constamment interagir avec les différents chefs de service. Le temps, comme l'argent, ne suffirait jamais. Le premier AD sera sur votre tête pour terminer les tâches et, finalement, le film à temps. Il est préférable de bien planifier la couverture, les configurations, les plans d'éclairage avant de commencer le tournage. Un directeur de la photographie peut utiliser divers outils pour gérer ses tâches.
Connaître le scénario
Un directeur de la photographie, cependant, doit avoir le savoir-faire technique, mais la créativité joue un rôle tout aussi important. Souvent, le directeur de la photographie et l'équipe de tournage ne connaissent pas bien le scénario. Le directeur de la photographie, avec une connaissance approfondie du scénario, peut apporter de nouvelles suggestions et questions pour améliorer le film.
Utiliser du matériel adapté
Réaliser un bon film ne signifie pas avoir le meilleur appareil photo et les meilleurs objectifs. Un directeur de la photographie doit savoir quel équipement peut aider à atteindre les objectifs finaux. Cela peut signifier ne pas nécessairement utiliser le package Alexa complet ; même les caméras ENG peuvent faire le travail.
Apprendre des meilleurs
Les grands cinéastes ont également appris des grands avant eux. Un directeur de la photographie peut acquérir des connaissances et les transmettre à la génération suivante en améliorant les techniques cinématographiques. Orson Welles, qui a réalisé le film très acclamé Citizen Kane, a déclaré que John Ford l'avait grandement inspiré. Le directeur de la photographie légendaire John Ford est connu pour avoir inventé diverses techniques d'éclairage et de caméra telles que le western et le clair-obscur. Welles a appris les techniques de Ford et a créé ses propres classiques et développé des techniques d'éclairage innovantes.
Faire des tests de caméra
Faire des tests appropriés avant un tournage est essentiel. Divers composants peuvent mal tourner lors de la prise de vue proprement dite. Un directeur de la photographie peut effectuer le test de la caméra en utilisant des chariots à puces, des nuanciers et des modèles. Outre les tests, la manipulation et l'entretien de l'équipement sont également importants.
Trouvez le meilleur emplacement
Un bon emplacement peut élever le film à un niveau différent. Prenez note de l'éclairage et des conditions météorologiques à différents moments de la journée et de l'année. Un bon emplacement signifierait qu'un directeur de la photographie et l'équipe doivent travailler moins. Un mauvais emplacement demanderait plus d'efforts pour atteindre le résultat souhaité.
Ne dépendez pas de la post-production
La meilleure façon d'obtenir de bons résultats est de le faire directement dans l'appareil photo. La post-production peut aider, mais elle ne rendra pas bonne une vidéo mal tournée. Travailler sur la post-production prendra plus de temps et d'argent. Un bon directeur de la photographie utilise l'emplacement, l'éclairage et d'autres techniques de prise de vue pour rendre la cinématographie exceptionnelle.
Comment devient-on chef opérateur ?
Faire carrière dans le cinéma n'est pas une mince affaire. Et il n'y a pas qu'une seule façon de devenir directeur de la photographie. Il est donc avantageux de se former à la réalisation de films analogiques ou numériques. L'éducation donnera une meilleure image de l'industrie, en dehors de l'enseignement sur le sujet.
Une personne peut suivre un cours menant à un certificat, un diplôme d'associé ou un baccalauréat en cinématographie. Pour fournir des emplois en cinématographie, les employeurs préfèrent un candidat titulaire d'un baccalauréat.
Un cours de certificat enseignera aux directeurs de la photographie les techniques d'une manière rapide. Cela implique l'apprentissage de la caméra et de l'éclairage, et des stocks de films. Le diplôme d'associé comprendra la préparation des bases du cinéma et de la télévision, ainsi que la cinématographie, la réalisation et la conception sonore. Le baccalauréat offrira une formation pratique sur les compétences de prise de vue et de montage, d'éclairage, de production, d'animation et de gestion. Cela obligerait également les directeurs de la photographie à travailler sur un projet de film vers la fin du cours.
Après avoir terminé leurs études, ils peuvent chercher à travailler comme assistant de production (PA) sur un plateau de tournage. De cette façon, une personne acquerra des compétences qui sont utilisées par un directeur de la photographie. Une personne ne devient généralement pas directeur de la photographie immédiatement après ses études. Il faut être un deuxième assistant, un premier assistant et enfin la personne qui gère la caméra.
Un directeur de la photographie peut commencer à travailler sur des films indépendants au début de sa carrière. Ils peuvent ensuite remonter vers le monde professionnel pour trouver des emplois dans le cinéma. Travailler sur de petits projets de théâtre les aidera à perfectionner leurs compétences et à établir des contacts dans l'industrie. Pour faire du réseautage, les directeurs de la photographie doivent assister à des projections, à des événements sur le tapis rouge, à des séminaires, etc. Ils doivent lire des magazines pertinents de l'industrie pour se tenir au courant. mis à jour avec les tendances et la connaissance.
Meilleures écoles de cinéma
Université de Californie à Los Angeles
Le département de théâtre, de cinéma et de télévision de l'UCLA est l'un des meilleurs divertissements et spectacles institutions artistiques dans le monde. L'école propose des programmes d'études supérieures et de premier cycle en théâtre, réalisation, écriture, cinématographie, conception d'éclairage, etc.
École des arts de l'Université de Caroline du Nord à Winston-Salem
L'UNCSA a un programme solide et adopte une approche pratique pour enseigner. Au cours des deux premières années, les étudiants sont invités à tourner divers projets numériques, tout en leur enseignant en détail la production cinématographique moderne. L'UNCSA propose un baccalauréat en cinématographie ainsi que d'autres cours de réalisation de films comme la réalisation, l'animation, la production, la scénarisation, etc.
Université de Californie du Sud à Los Angeles
L'USC est connue pour un grand nombre d'anciens élèves qu'elle a produits, y compris des notables tels que George Lucas. L'école offre un large éventail de cours dans les arts cinématographiques.
Conservatoire AFI, Los Angeles
L'American Film Institute propose une approche pratique de la réalisation de films. L'AFI compte d'anciens élèves bien connus tels que David Lynch, Rachel Morrison et Darren Aronofsky. Le programme du conservatoire est géré par le Centre d'études avancées sur le cinéma et la télévision de l'AFI, qui propose des cours sur la réalisation, la production, l'écriture et la cinématographie, entre autres.
Beijing Film Academy
Le BFA est la plus grande institution cinématographique d'Asie et existe depuis 65 ans. L'école de cinéma enseigne tout ce qui concerne la réalisation de films, de la production à l'animation en passant par la cinématographie, etc. L'académie est connue dans le monde entier pour ses réalisations dans la production cinématographique.
Peu de terminologies cinématographiques
Coups - Les plans sont la plus petite unité d'un film. Un seul plan est séparé de l'autre par des coupes ou des transitions. Il y a des milliers de plans dans un film narratif.
Scènes - Le nombre de prises de vue prises au cours d'une période donnée s'appelle une scène. Lorsque l'emplacement est modifié, il y aurait également un changement dans la scène. Les scènes, à elles seules, ont un début, un milieu et une fin. Et il y aurait plusieurs plans dans une scène.
Séquences - Plusieurs scènes forment ensemble une séquence. Les séquences ont également un début, un milieu et une fin. Une séquence peut avoir plusieurs emplacements. Il y a environ 20 séquences dans un film narratif.
Tir extrêmement long - Ces types de plans larges sont utilisés lorsque les sujets doivent être montrés dans leur contexte environnemental. Ces types de plans sont également utilisés lorsque le directeur de la photographie doit montrer deux lieux différents.
Tir à vol d'oiseau - Le Bird's Eyeshot est également extrêmement large, mais il est pris sous l'angle supérieur. Dans ce type de prise de vue, des motifs commencent à émerger d'une scène. Cela se voit généralement au début d'un film.
Long Shot - À long terme, les gens peuvent voir ce qui se passe dans une zone, mais ce n'est pas assez proche pour avoir un lien personnel avec le sujet. Le spectateur a l'impression de faire partie de la scène, comme si vous regardiez quelqu'un de loin.
Coup moyen - Le plan moyen est généralement utilisé pour montrer des personnes en petits groupes où il y a un échange de dialogues. Ce cliché n'en est pas encore là sur le plan émotionnel. L'idée est de montrer ce qui se passe dans une petite zone. Le plan est généralement cadré à partir de la taille d'une personne. Obtenir le coup un peu plus de lumière montrera les émotions de l'acteur.
Photo en gros plan - Dans le gros plan, le visage d'une personne est principalement montré afin que l'impact des émotions du personnage soit transféré aux spectateurs.
Super gros-plan - Lorsque vous voyez un gros plan extrême des yeux, de la main ou de tout objet, considérez-les comme des gros plans extrêmes. Ces plans servent à rendre une scène intensive.
Tir d'angle néerlandais - Dutch Angle Shot est utilisé lorsqu'un directeur de la photographie doit montrer un manque de stabilité ou lorsque la scène nécessite quelque chose de plus dérangeant. Cette technique se fait en inclinant la caméra vers un côté jusqu'à ce que le fond ne soit plus parallèle à l'horizon.
Au-dessus de l'épaule - Ce plan est généralement utilisé lorsqu'un personnage parle à l'autre personne ou regarde quelque chose. Dans de tels plans, l'épaule et la tête d'un personnage sont floues. Et ce que le personnage regarde est mis au point.
Tir incliné - Tilt Shot déplace généralement la caméra de haut en bas ou de bas en haut. Ce cliché, lorsqu'il est combiné avec le même mouvement du sujet, peut donner d'excellents résultats. Les plans inclinés peuvent être utilisés au début du film comme plan d'ouverture ou pour révéler quelque chose à la fin du plan.
Prise de vue panoramique - La prise de vue panoramique est très similaire à la prise de vue inclinée, mais elle est effectuée horizontalement. Cette photo est prise pour montrer le mouvement horizontal du sujet ou pour montrer l'environnement.
Zoom - La prise de vue avec zoom est prise pour augmenter la mise au point sur le sujet dans une scène. Les cinéastes sont devenus meilleurs pour prendre cette photo en montrant le zoom plus naturellement.
Zoom Dolly - Le zoom Dolly se déplace vers le sujet sur la piste Dolly avec l'appareil photo, tandis que l'appareil photo effectue un zoom arrière en douceur sur le sujet.
Tir de grue - Dans le plan de la grue, la caméra se déplace vers le sujet en translation verticale ou vice-versa. Ce type de prise de vue est désormais réalisé à l'aide de drones ; il utilisait auparavant des grues coûteuses.
Travelling -Le travelling utilise un travelling ou un drone pour suivre le sujet. Ce plan montre plus de vivacité au mouvement, ce qui n'est pas atteint lorsque la caméra est stable.
Prise de vue à la première personne / Prise de vue en point de vue - La prise de vue du point de vue est prise en ajustant le support de la caméra sur le sujet et en montrant le film de son point de vue. Cette technique est utilisée pour rendre le film plus engageant.
Meilleurs films cinématographiques de tous les temps
L'assassinat de Jesse James par le lâche Robert Ford (2007): Roger Deakins a collaboré avec Andrew Dominik dans ce film. Le film compte parmi les meilleurs films occidentaux dans lesquels Deakins fait un usage étonnant de l'éclairage. Deakins utilisait parfois les mêmes lumières dans les plans eux-mêmes. Il est connu pour parler avec les scénographes pour inclure l'équipement d'éclairage dans les décors. Deakins a réussi à donner à ce film l'aspect d'une photographie fanée, qui a un aspect ancien mais qui reste nette là où il y a des textures.
L'arbre de vie (2011): Le réalisateur Terence Malick a travaillé avec le directeur de la photographie Emmanuel Lubezki sur ce film, connu pour sa meilleure photographie. Lubezki a élevé la vision du réalisateur avec sa cinématographie de classe mondiale. Il a pu explorer le contexte spirituel du film de manière brillante en utilisant la lumière de manière créative. Le film a principalement utilisé la lumière naturelle. Lubezki a magnifiquement montré la lutte pour la vie et la mort dans le film. Selon Lubezki, travailler avec Terence sur ce film a été incroyablement difficile. C'était comme si le réalisateur essayait de créer une erreur et des accidents, ce qui a donné au film un aspect très naturel. Ils ont utilisé des éléments naturels comme le vent, la pluie et le soleil dans l'histoire, ce qui les a aidés à capturer des moments magnifiques qui ne durent pas longtemps.
Envie d'amour (2000): L'un des meilleurs films cinématographiques, In the Mood for Love, est une collaboration entre trois directeurs de la photographie : Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan et Ping Bin Lee. La cinématographie est réalisée de manière si secrète. Les téléspectateurs ont l'impression de s'immiscer dans la vie des deux personnages; qui développent une relation secrète dans le film. La sensation indiscrète est obtenue par un positionnement et un cadrage bien pensés de la caméra. Des travellings montrant le dos des personnages ajoutent également au mystère.
L'immigré (2013): Connu pour sa meilleure photographie, Darius Khondji, montre ce film comme un classique difficile à retenir. Khondji a travaillé sur de grands films comme Evita, Seven, Midnight in Paris, etc. Il a réussi à montrer la scène new-yorkaise des années 1920 dans ce film, tout en rendant le rêve américain plus attrayant.
Loin du paradis (2002): Ed Lachman, le directeur de la photographie du film, a collaboré avec le réalisateur Todd Haynes sur de nombreux projets, mais "Far from Heaven" est tourné à un tout autre niveau. Le défi de Lachman était de créer l'apparence d'une lumière de grille aérienne, avec les tons de couleur à saturer. Il a dû travailler avec des pellicules de 2002 dans ce film, et pourtant il a réussi à montrer les émotions des personnages avec des palettes de couleurs envoûtantes.
En tant que directeur de la photographie en herbe, vous devez disposer d'un site Web bien structuré qui présente votre portfolio de manière épurée et minimaliste. Votre site Web représentera votre style de travail et attirera plus de clients et de demandes de renseignements. Les opportunités abondent, mais vous devez vous assurer que les téléspectateurs comprennent l'idée et le concept derrière votre travail, qu'il s'agisse de la cinématographie, de la production vidéo ou de la réalisation.
Gurpreet Singh
