Anisha Singh su
28 novembre 2019
Che cos'è la cinematografia?
La ricerca della narrazione visiva è il cuore della cinematografia. Quest'arte della narrazione, combinata con la fotografia e il lavoro con la macchina da presa in un film, è definita cinematografia.
La cinematografia, come termine, non è usata solo nel campo dell'intrattenimento; può essere usata anche nella scienza, negli affari e nei mass media. Secondo la definizione data dall'American Society of Cinematographers (ASC), la cinematografia non è solo la documentazione di ciò che accade, ma anche la creazione di un'arte originale attraverso un processo illuminante e creativo.
Raccontare la propria storia unica, ideando un linguaggio visivo, richiede un talento naturale innato e la conoscenza di competenze fotografiche professionali. Oltre alla fotografia, un direttore della fotografia utilizza altri mezzi come la manipolazione delle immagini, l'organizzazione, la gestione, ecc. per ottenere il risultato desiderato. Se un film deve essere proiettato sul grande schermo, i registi di solito spendono la maggior parte del loro budget per una fotografia di alta qualità.
Cosa fa un direttore della fotografia?
Conosciuto anche come direttore della fotografia (DP), il direttore della fotografia è colui che cattura la storia in immagini utilizzando la macchina da presa. I direttori della fotografia devono gestire tutti gli elementi visivi del film, come l'illuminazione, la composizione, i toni di colore, i movimenti di macchina e così via. Quindi, se una scena deve essere girata in grandangolo o da vicino, in alto o in basso, nitida o sfocata, è il direttore della fotografia a decidere.
I direttori della fotografia dirigono tutta la troupe che lavora alla macchina da presa e alle luci di un film. Il loro ruolo è quello di collaborare con il regista per garantire che la sua visione venga realizzata. Devono lavorare in gruppo e prendere decisioni complesse.
Di solito, il regista dà un'indicazione su come deve apparire visivamente una scena e il direttore della fotografia ha la responsabilità di realizzarla. Nella maggior parte dei casi, il direttore della fotografia ha ampia libertà creativa. Tuttavia, il regista può anche fornire istruzioni precise sul risultato esatto che desidera.
L'American Society of Cinematographers premia i migliori direttori della fotografia del settore. Permette loro di utilizzare la dicitura "ASC" prima del loro nome nei titoli di coda del film.
Ecco in dettaglio alcune responsabilità di un direttore della fotografia:
Impostazione e posizionamento della macchina da presa
Il direttore della fotografia deve decidere dove posizionare la macchina da presa in una determinata inquadratura. Se il direttore della fotografia sceglie di mettere una certa distanza tra il soggetto e la cinepresa, allora trasmetterà un significato diverso rispetto a quando la cinepresa è a distanza ravvicinata. Il direttore della fotografia deve decidere quale cinepresa e quali obiettivi utilizzare per rappresentare un particolare stile e significato. Alcuni fattori importanti della cinepresa sono la risoluzione, il campionamento del colore e l'otturatore, che aiutano i direttori della fotografia a esprimere il meglio con la luce e la posizione. L'importanza non è solo la qualità, ma anche il modo in cui le immagini raccontano la storia.
Movimento della macchina da presa
Anche il movimento della macchina da presa gioca un ruolo fondamentale nel determinare il risultato del film. Di solito, in un film d'azione, i direttori della fotografia seguono l'azione attraverso la macchina da presa per trasmettere il movimento veloce, mentre possono tenere la macchina da presa ferma per mostrare l'intensità del momento.
Composizione
La composizione è ciò che decide l'aspetto di una scena. I registi devono stabilire dove posizionare ogni elemento di una particolare scena. Possono decidere se mostrare o nascondere alcuni elementi dell'inquadratura. Un'inquadratura stretta può far emergere le emozioni o creare mistero su ciò che accade intorno al soggetto. Una scena può anche essere ritratta in modo che il soggetto del film non si renda conto di ciò che sta accadendo intorno, mentre il pubblico lo fa. Questi metodi di composizione possono determinare il modo in cui il pubblico interpreterà la storia.
Coordinamento
I cineoperatori devono coordinarsi con gli altri membri della troupe, come il location manager, per fare ricerche sui luoghi e individuare i punti di osservazione della telecamera. Possono fornire al regista il loro feedback sulle location e migliorare le immagini.
Illuminazione
Avete mai notato che di solito un film thriller ha un'illuminazione piuttosto scura, mentre una commedia è luminosa? L'illuminazione è qualcosa che la gente non nota naturalmente. Ma cambia l'atmosfera del film. L'illuminazione di alto livello è spesso utilizzata per mostrare emozioni divertenti e felici, mentre l'illuminazione di basso livello è spesso utilizzata per mostrare emozioni misteriose e lunatiche. Per questo motivo i direttori della fotografia devono essere esperti e devono imparare a conoscere sia la luce artificiale che quella naturale. Devono inoltre sapere come creare il giusto contrasto, profondità e forme in una scena. I direttori della fotografia progettano il sistema di illuminazione per l'intero film e il Lead Lighting Technician è la persona che esegue il progetto.
Macchine fotografiche e obiettivi per cineoperatori
È responsabilità del direttore della fotografia scegliere la macchina da presa da utilizzare per la realizzazione di un film. Il direttore della fotografia dovrà decidere se utilizzare una cinepresa a pellicola o una digitale, quali tipi di obiettivi utilizzare, quali impostazioni della cinepresa saranno necessarie e quali altre attrezzature saranno necessarie.
Se il film ha un budget elevato, non significa che possa essere utilizzato per acquistare una telecamera costosa. Ci sono molti altri fattori da prendere in considerazione, come il numero di obiettivi necessari, il costo dell'impianto di illuminazione e così via. Il principale fattore decisivo per la scelta dell'attrezzatura dovrebbe essere la sua capacità di raccontare la storia. Anche i film che hanno un budget di milioni di dollari utilizzano opzioni più economiche se sono più utili per la storia.
Una fotocamera a pellicola può essere utilizzata per mostrare grane e texture. La fotocamera digitale, invece, offre un'immagine pulita. Le fotocamere digitali consentono inoltre di utilizzare un otturatore più ampio rispetto alle fotocamere a pellicola. È inoltre possibile scattare in diversi formati di file, il che consente una maggiore flessibilità in fase di post-produzione.
Obiettivi
Gli obiettivi primi sono più utilizzati nella realizzazione di un film. Gli obiettivi primi hanno una lunghezza focale fissa e danno risultati di qualità molto superiore rispetto agli obiettivi zoom. I cineoperatori utilizzano gli obiettivi 21 mm e 28 per ottenere un'inquadratura ampia, 50 mm per le inquadrature medie e da 85 a 105 mm per i ritratti. Uno degli innesti più comuni per gli obiettivi nelle produzioni indipendenti è l'innesto Canon EF. Mentre nelle grandi case di produzione si utilizza l'innesto ARRI PL. Gli obiettivi possono essere scambiati utilizzando speed booster o adattatori.
Quali sono le tecniche cinematografiche più comuni?
Trovare una soluzione creativa
Trovare modi diversi e unici di girare può portare a una tecnica cinematografica che aiuterà a raggiungere l'obiettivo visivo del regista. Questo può anche richiedere una strategia dettagliata su come realizzare le inquadrature. Quando Stanley Kubrik stava girando il film Barry Lyndon, il direttore della fotografia John Alcott voleva girare l'intero film con la luce naturale. Volevano addirittura superare i limiti girando a lume di candela per le scene in interni. Per questo, hanno preso in prestito un obiettivo speciale dalla NASA che lo ha reso possibile. Il risultato di tutti questi sforzi fu un capolavoro.
Concentrarsi sulla storia
Lo stile cinematografico creativo è importante ma non più della storia. Se una storia non è buona o non è mostrata in modo appropriato, avere solo buoni effetti visivi o tecniche non renderà grande il film.
A questo proposito, Roger Deakins, il grande direttore della fotografia, ha dichiarato: "Non c'è niente di peggio di un'inquadratura ostentata o di un'illuminazione che attira l'attenzione su di sé e che ti fa dire: 'Oh, wow, è spettacolare'. Oppure un'inquadratura spettacolare, un grande movimento di gru o qualcosa del genere. Ma non è detto che sia adatto al film: si salta fuori, si pensa alla superficie e non si resta lì dentro con i personaggi e la storia". L'aspetto visivo del film dovrebbe basarsi sul fattore che rende il film migliore.
Gestire il tempo in modo efficiente
La cinematografia è un lavoro molto impegnativo. Bisogna interagire costantemente con i responsabili dei vari reparti. Il tempo, come il denaro, non è mai abbastanza. Il primo direttore della fotografia sarà sulla vostra testa per portare a termine i compiti e, in ultima analisi, il film in tempo. È meglio pianificare accuratamente la copertura, gli allestimenti e i piani di illuminazione prima di iniziare le riprese. Un direttore della fotografia può utilizzare diversi strumenti per gestire i propri compiti.
Conoscere la sceneggiatura
Anche se un direttore della fotografia deve possedere le conoscenze tecniche, la creatività gioca un ruolo altrettanto importante. Spesso il direttore della fotografia e la troupe non conoscono bene la sceneggiatura. Il direttore della fotografia, con una conoscenza approfondita della sceneggiatura, può proporre nuovi suggerimenti e domande per migliorare il film.
Utilizzare l'attrezzatura pertinente
Realizzare un grande film non significa avere la telecamera e gli obiettivi migliori. Un direttore della fotografia deve imparare quale attrezzatura può aiutare a raggiungere gli obiettivi finali. Ciò può significare non utilizzare necessariamente il pacchetto Alexa completo; anche le telecamere ENG possono fare il loro lavoro.
Imparare dai migliori
I grandi direttori della fotografia hanno imparato anche dai grandi che li hanno preceduti. Un direttore della fotografia può acquisire conoscenze e trasmetterle alla generazione successiva migliorando le tecniche cinematografiche. Orson Welles, che ha realizzato l'acclamato film Citizen Kane, ha dichiarato che John Ford lo ha fortemente ispirato. Il leggendario direttore della fotografia John Ford è noto per aver inventato diverse tecniche di illuminazione e di ripresa, come il western e il chiaroscuro. Welles ha imparato le tecniche da Ford e ha creato i suoi classici, sviluppando tecniche di illuminazione innovative.
Eseguire test della fotocamera
Eseguire test adeguati prima di una ripresa è fondamentale. Diversi componenti possono andare male quando si svolgono le riprese vere e proprie. Un direttore della fotografia può eseguire il test della macchina da presa utilizzando carrelli per i chip, tabelle di colore e modelli. Oltre ai test, sono importanti anche la gestione e la manutenzione dell'attrezzatura.
Trovare la location migliore
Unabuona location può elevare il film a un livello diverso. Prendete nota dell'illuminazione e delle condizioni atmosferiche in diversi momenti della giornata e dell'anno. Una buona location significa che il direttore della fotografia e la troupe devono lavorare meno. Una cattiva location richiede uno sforzo maggiore per ottenere il risultato desiderato.
Non dipendere dalla post-produzione
Il modo migliore per ottenere buoni risultati è quello di fare le cose per bene nella telecamera. La post-produzione può aiutare, ma non renderà buono un video girato male. Lavorare sulla post-produzione richiede più tempo e denaro. Un buon direttore della fotografia utilizza la location, l'illuminazione e altre tecniche di ripresa per rendere la fotografia eccezionale.
Come si diventa direttore della fotografia?
Fare carriera nella cinematografia non è un compito facile. E non esiste un solo modo per diventare un direttore della fotografia. Per questo motivo è utile ricevere una formazione in cinematografia analogica o digitale. La formazione darà un quadro migliore del settore, oltre a insegnare la materia.
Una persona può conseguire un certificato, un diploma associato o una laurea in cinematografia. Per ottenere posti di lavoro nel settore della cinematografia, i datori di lavoro preferiscono candidati con un diploma di laurea.
Un corso di certificazione insegna ai cineasti le tecniche in modo rapido. Si tratta di imparare a conoscere la macchina da presa, l'illuminazione e le pellicole. Il corso di laurea associato prevede la preparazione delle basi del cinema e della televisione, oltre a cinematografia, regia e sound design. La laurea triennale fornirà una formazione pratica su riprese e montaggio, illuminazione, produzione, animazione e capacità di gestione. Inoltre, i direttori della fotografia dovranno lavorare a un progetto cinematografico verso la fine del corso.
Una volta terminata la formazione, si può cercare di lavorare come assistente di produzione (PA) su un set cinematografico. In questo modo, una persona apprenderà le competenze utilizzate da un direttore della fotografia. Di solito una persona non diventa un direttore della fotografia subito dopo la formazione. È necessario essere un secondo assistente, un primo assistente e, infine, la persona che gestisce la macchina da presa.
Un direttore della fotografia può iniziare a lavorare in film indipendenti all'inizio della sua carriera. In seguito può passare al mondo professionale per trovare lavori di cinematografia. Lavorare a piccoli progetti teatrali li aiuterà ad affinare le loro capacità e a creare contatti nel settore. Per fare rete, i direttori della fotografia dovrebbero partecipare a proiezioni, eventi da red carpet, seminari, ecc. Dovrebbero leggere riviste di settore per tenersi aggiornati sulle tendenze e sulle conoscenze.
Le migliori scuole di cinematografia
Università della California a Los Angeles
La Scuola di Teatro, Cinema e Televisione dell'UCLA è una delle migliori istituzioni di intrattenimento e arti dello spettacolo al mondo. La scuola offre programmi di laurea e di specializzazione in recitazione, regia, scrittura, cinematografia, disegno luci e altro ancora.
University Of North Carolina School Of The Arts a Winston-Salem
L'UNCSA ha un curriculum solido e adotta un approccio pratico all'insegnamento. Nei due anni iniziali, agli studenti viene chiesto di girare vari progetti digitali, oltre a insegnare loro in dettaglio la moderna produzione cinematografica. L'UNCSA ha un corso di laurea in Cinematografia insieme ad altri corsi di cinematografia come regia, animazione, produzione, sceneggiatura, ecc.
University of Southern California a Los Angeles
La USC è nota per il gran numero di ex allievi che ha prodotto, tra cui alcuni importanti come George Lucas. La scuola offre un'ampia gamma di corsi di arti cinematografiche.
AFI Conservatory, Los Angeles
L'American Film Institute offre un approccio pratico alla creazione di film. L'AFI vanta ex allievi famosi come David Lynch, Rachel Morrison e Darren Aronofsky. Il programma del conservatorio è gestito dal Center for Advanced Film and Television Studies dell'AFI, che offre corsi di regia, produzione, scrittura e cinematografia, tra gli altri.
Beijing Film Academy
La BFA è la più grande istituzione cinematografica dell'Asia ed è attiva da 65 anni. La scuola di cinema insegna tutto ciò che riguarda la produzione cinematografica, dalla produzione all'animazione, alla cinematografia e altro ancora. L'accademia è conosciuta in tutto il mondo per i suoi risultati nella produzione cinematografica.
Alcune terminologie della cinematografia
Riprese - Le riprese sono la più piccola unità di un film. Una singola inquadratura è separata dalle altre da tagli o transizioni. In un film narrativo ci sono migliaia di inquadrature.
Scene - Il numero di scatti effettuati in un determinato periodo di tempo è chiamato scena. Quando il luogo cambia, cambia anche la scena. Le scene, di per sé, hanno un inizio, una parte centrale e una fine. E in una scena ci sono più inquadrature.
Sequenze - Molte scene insieme formano una sequenza. Le sequenze hanno anche un inizio, una parte centrale e una fine. Una sequenza può avere più luoghi. In un film narrativo ci sono circa 20 sequenze.
Estremamente lunga - Questi tipi di inquadrature larghe sono utilizzate quando i soggetti devono essere mostrati nel loro contesto ambientale. Questi tipi di inquadrature si usano anche quando il direttore della fotografia deve mostrare due luoghi diversi.
Ripresa a volo d'uccello - Anche l'inquadratura a volo d'uccello è estremamente ampia, ma è ripresa dall'alto. In questo tipo di inquadratura, i modelli iniziano a emergere da una scena. Si vede tipicamente all'inizio di un film.
Campo lungo - Nel campo lungo, le persone possono vedere ciò che sta accadendo in un'area, ma non sono abbastanza vicine da avere un legame personale con il soggetto. Lo spettatore si sente parte della scena, come se stesse guardando qualcuno da lontano.
Ripresa media - La ripresa media è tipicamente utilizzata per mostrare persone in piccoli gruppi in cui c'è uno scambio di dialoghi. Questa inquadratura non è ancora presente a livello emotivo. L'idea è quella di mostrare ciò che sta accadendo in una piccola area. L'inquadratura viene generalmente effettuata dalla vita di una persona in su. Se l'inquadratura è un po' più luminosa, si possono mostrare le emozioni dell'attore.
Primo piano - Nell'inquadratura ravvicinata viene mostrato soprattutto il volto di una persona, in modo da trasferire allo spettatore l'impatto delle emozioni del personaggio.
Primo piano estremo - Quando si vede un primo piano estremo degli occhi, della mano o di un qualsiasi oggetto, bisogna pensare a queste riprese come a un primo piano estremo. Queste inquadrature sono utilizzate per rendere intensa una scena.
Dutch Angle Shot - La Dutch Angle Shot viene utilizzata quando il direttore della fotografia deve mostrare una mancanza di stabilità o quando la scena richiede qualcosa di più inquietante. Questa tecnica si realizza inclinando la macchina da presa verso un lato fino a quando il fondo non è più parallelo all'orizzonte.
Ripresa sopra la spalla - Questa inquadratura viene utilizzata di solito quando un personaggio sta parlando con un'altra persona o sta guardando qualcosa. In queste inquadrature, la spalla e la testa del personaggio sono fuori fuoco. Mentre ciò che il personaggio sta guardando è a fuoco.
Scatto inclinato - Lo scatto inclinato consiste nel muovere la fotocamera tipicamente dall'alto verso il basso o dal basso verso l'alto. Questa inquadratura, se combinata con lo stesso movimento del soggetto, può dare ottimi risultati. L'inquadratura inclinata può essere utilizzata all'inizio del film come inquadratura di apertura o per rivelare qualcosa alla fine dell'inquadratura.
Ripresa panoramica - La ripresa panoramica è molto simile a quella dell'inclinazione, ma è effettuata in orizzontale. Questa ripresa viene effettuata per mostrare il movimento orizzontale del soggetto o per mostrare l'ambiente circostante.
Ripresa con zoom - La ripresa con zoom viene effettuata per aumentare la messa a fuoco del soggetto all'interno di una scena. I cineasti sono diventati più bravi a realizzare questa inquadratura, mostrando lo zoom in modo più naturale.
Dolly Zoom Shot - La ripresa con zoom Dolly consiste nel muoversi verso il soggetto sul binario del dolly con la fotocamera, mentre la fotocamera esegue uno zoom fluido sul soggetto.
Scatto con gru - Nell'inquadratura con gru, la fotocamera si muove verso il soggetto in modo verticale e traslazionale o viceversa. Questo tipo di ripresa è oggi realizzata con i droni, mentre prima si usavano costose gru.
Tracking Shot - Iltracking shot utilizza un dolly track o un drone per seguire il soggetto. Questa ripresa mostra una maggiore vivacità del movimento, che non si ottiene quando la fotocamera è stabile.
Ripresa in prima persona/ Ripresa dal punto di vista - La ripresa dal punto di vista è realizzata montando la telecamera sul soggetto e mostrando il filmato dalla sua prospettiva. Questa tecnica viene utilizzata per rendere il filmato più coinvolgente.
I migliori film di tutti i tempi sulla cinematografia
L'assassinio di Jesse James da parte del codardo Robert Ford (2007): Roger Deakins ha collaborato con Andrew Dominik in questo film. Il film è annoverato tra i migliori film western in cui Deakins fa un uso sorprendente dell'illuminazione. A volte Deakins ha utilizzato le stesse luci nelle riprese. È noto per aver parlato con gli scenografi per includere le attrezzature di illuminazione nei set. Deakins è riuscito a dare a questo film l'aspetto di una fotografia sbiadita, che ha un aspetto vecchio ma è ancora nitido dove ci sono le texture.
The Tree of Life (2011): Il regista Terence Malick ha lavorato con il direttore della fotografia Emmanuel Lubezki per questo film, noto per la sua migliore fotografia. Lubezki ha elevato la visione del regista con la sua fotografia di classe mondiale. È stato in grado di esplorare il contesto spirituale del film in modo brillante utilizzando la luce in modo creativo. Il film ha sfruttato soprattutto la luce naturale. Lubezki ha mostrato magnificamente la lotta tra la vita e la morte nel film. Secondo Lubezki, lavorare con Terence a questo film è stato incredibilmente difficile. Era come se il regista cercasse di creare un errore e degli incidenti, che hanno fatto sì che il film sembrasse molto naturale. Nella storia hanno utilizzato elementi naturali come il vento, la pioggia e il sole, che li hanno aiutati a catturare i momenti più belli, che non durano a lungo.
In the Mood for Love (2000): Uno dei migliori film di cinematografia, In the Mood for Love, è una collaborazione tra tre direttori della fotografia: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan e Ping Bin Lee. La fotografia è realizzata in modo così segreto. Lo spettatore ha la sensazione di curiosare nella vita dei due personaggi, che nel film sviluppano una relazione segreta. La sensazione di ficcanasare è ottenuta grazie al posizionamento e all'inquadratura ben studiati della macchina da presa. Anche le inquadrature che mostrano il fondoschiena dei personaggi aumentano il mistero.
The Immigrant (2013): Conosciuto per la sua migliore fotografia, Darius Khondji mostra questo film come un classico difficile da ricordare. Khondji ha lavorato su alcuni grandi film come Evita, Seven, Midnight in Paris, ecc. In questo film è riuscito a mostrare la scena della New York degli anni '20 e a rendere più attraente il sogno americano.
Lontano dal paradiso (2002): Ed Lachman, il direttore della fotografia del film, ha collaborato con il regista Todd Haynes in molti progetti, ma "Far from Heaven" è girato a un livello completamente nuovo. La sfida di Lachman è stata quella di creare l'aspetto di una griglia luminosa, con i toni di colore saturi. In questo film ha dovuto lavorare con pellicole del 2002, eppure è riuscito a mostrare le emozioni dei personaggi con palette di colori ipnotiche.
Come aspiranti direttori della fotografia, dovete avere un sito web ben strutturato che mostri il vostro portfolio in modo pulito e minimalista. Il vostro sito web rappresenterà il vostro stile di lavoro e attirerà più clienti e richieste. Le opportunità abbondano, ma dovete assicurarvi che gli spettatori capiscano l'idea e il concetto che stanno dietro al vostro lavoro, che si tratti di cinematografia, produzione video o regia.
Gurpreet Singh
