Hvis du aldri har studert verdsettelse av klassisk kunst, kan designprinsippene få hodet til å snurre. Ved første øyekast er de en kjedelig akademisk øvelse, men for arbeidere og amatører som ønsker å forbedre sin grunnleggende fotografering, kan det å forstå disse designprinsippene være til stor hjelp i arbeidet deres.
Disse designprinsippene viser grovt sett de grunnleggende teoriene som gjør et visuelt kunstverk tiltalende. Det er de vanligvis diskutert i kunsttimer og studert i detalj i programmer for grafisk design. Men dessverre blir de for ofte kastet inn fotoklasse. Og det er synd fordi disse designprinsippene kan hjelpe fotografer med å finne komposisjonene sine.
Det er viktig å skille mellom kunstelementene og designprinsippene. Elementer er objekter som vises på lerretet, som linjer og former. Prinsipper for design i kunst inkluderer elementer som er mindre enkle å identifisere, men som er avgjørende for å skape en behagelig komposisjon. Ting som kontrast, mønster og rom er prinsipper. Husk, mens de vanligvis diskuteres med kunst or grafisk design, disse prinsippene er knyttet til enhver todimensjonal kunstform.
Hva er prinsippene for design?
Det er ingen avtalt antall prinsipper for design i kunst. Alle lærebøkene og nettsidene er tilpassede lister, skrevet ut fra det forfatteren kan best og mener er det viktigste. Noen kan grupperes, og noen brytes fra hverandre. Ikke heng deg opp i tall; bare omfavn konseptene. Her er en liste over design portefølje nettstedsmaler for din bruk.
De syv beste designprinsippene inkluderer:
- Kontrast
- Vektlegging
- Mønster
- Gjentakelse
- Bevegelse
- Rom
- Balansere
Hva binder alle disse prinsippene sammen? De handler om hvordan en kunstner setter kunstens elementer på lerret. Prinsipper er ikke lett å peke på eller til og med lett legge merke til. Elementene, derimot, er tingene som kunstneren setter på lerretet sitt. For eksempel er farge, linje, punkt, form, tekstur, rom og form alle elementer av kunst. De er åpenbare komponenter i arbeidet.
Elementene i kunst er litt vanskeligere å inkorporere i fotografering. De er like anvendelige, men de fleste fotografer tenker ikke i linjer, former og former når de tar et bilde. Selvfølgelig er de alle der, men fotografer har en tendens til å ta verden som den er i stedet for å lage den fra bunnen av på papir.
Prinsippene er imidlertid ekstremt nyttige å kjenne til i fotografering. De hjelper oss å forstå hva som gjør en god komposisjon og hvordan vi oppnår den.
Her er de syv designprinsippene i detalj:
Kontrast
Hva er kontrast i designprinsipper?
Kontrast i design refererer til hvordan forskjellige ting ser ut, og likevel hvordan de går sammen for å skape en sammenhengende scene. Kontrasten i tone er svart mot hvit, mens kontrastfarger er i motsatte posisjoner på fargehjulet.
Kontrast handler om å sørge for at motivet kontrasterer med resten av bildet for å bidra til å få fokus. Når visuelle elementer er plassert i komposisjonen din, hjelper kontraster med å trekke oppmerksomheten til dem. Ting som ikke står i kontrast har en tendens til å smelte sammen, mens ting som kontraster dukker opp. Andre ting i bildet ditt kan brukes til å skape kontrast. Skalaen eller størrelsen på objektene kan endres for å vise en kontrast mellom stort og lite.
Vektlegging
Hva er vektlegging i designprinsipper?
Vekt er hvor tydelige ting blir gjort i komposisjonen. Forhåpentligvis blir delene du ønsker skal være fremtredende gjort klare og virkningsfulle. Når vektleggingen er gjort riktig, er det ikke merkbart. Betrakteren går bort med budskapet fotografen eller kunstneren hadde til hensikt. Men når det ikke er gjort godt, er det tydelig at noe er galt. Seeren fikk en annen melding – det som skulle legges merke til ble savnet.
Vektlegging er et grunnleggende element i komposisjonen som trenger litt planlegging og omtanke for å bli helt riktig. For å gjøre det, bruker du de andre elementene i kunsten og designprinsippene for å gjøre poenget ditt.
Et eksempel på dette i design er en filmplakat som gir en sterk følelsesmessig reaksjon på seeren, men som ikke gir navnet på filmen eller utgivelsesdatoen. De likte utseendet til den filmen, hvis bare de kunne huske hva den het! Hvis betrakteren går bort uten det tiltenkte budskapet, var vektleggingen i komposisjonen på feil sted.
I design kan vektlegging skapes på flere måter. For eksempel kan skalaen til et objekt endres for å gi det større vekt. Du kan bruke kontrasterende farger, eller legge til elementer som linjer eller former.
I fotografering kan vektlegging skapes ved å endre kameravinkel eller innramming av motivet. En annen flott taktikk er å endre belysningen på motivet eller bakgrunnen, noe som kan trekke motivet ut og øke vekten.
Mønster
Hva er mønster i designprinsipper?
Det menneskelige øyet er naturlig programmert til å legge merke til mønstre. Mønstre forekommer overalt i den naturlige verden, og vi er ganske flinke til å oppdage dem selv om vi ikke er klar over det. Som kunstnere kan vi inkorporere dette mentale trikset i kunstverket vårt.
Mønstre lages ved å gjenta et objekt gjennom hele komposisjonen. Ved å inkludere mønstre kan vi bruke dem til å trekke fokus og vekt på emnet vårt. De gjør at komposisjonen som helhet skiller seg ut og gjør den minneverdig.
Når vi tenker på mønster som et designprinsipp i sammenheng med fotografering, tenker vi vanligvis på ting som teksturer. Vi kan inkludere disse i bildene våre, spesielt når det gjelder arkitektur eller andre kunstverk. Mønstre handler om gjentatte elementer gjennom et design, så bakgrunnsbilder, tekstiler og bakgrunner er gode eksempler på hvor de dukker opp oftest.
Gjentakelse
Hva er repetisjon i designprinsipper?
Repetisjon kan referere til ethvert kunstelement, som farge, linje, former eller former. Tenk på design du kanskje har sett som bruker minimalt fargepaletter. Det er vanligvis slående fordi gjentakelsen av ett element fanger øyet. Repetisjon skaper konsistens i en komposisjon, som bringer hele rammen sammen for å gjøre den mer meningsfull.
I design brukes repetisjon vanligvis for å få noe til å virke forutsigbart eller uendelig. En gjentakende bølge på papiret vil få det til å virke som om det fortsetter for alltid, selv utenfor lerretet du kan se. Repetisjon er også nyttig i brukergrensesnittdesign, der menyer eller kontrollikoner vil ha de samme elementene gjentatt for å hjelpe brukeren med å finne det de leter etter.
Bevegelse
Hva er bevegelse i designprinsipper?
I kunst og design betyr kanskje ikke bevegelse det du tror det betyr. I stedet for å handle om objekter i bevegelse, handler det om bevegelsen av betrakterens øyne over en komposisjon. Kunstnere og fotografer kontrollerer nøye øyebevegelsen rundt verket. Det finnes alle slags triks for å få det til å fungere.
Designere bruker diagonale eller buede linjer for å kontrollere bevegelse og for å holde øyet engasjert. Skifte mellom høy- og lavmælte farger er et annet triks som får et lerret til å vises i bevegelse.
Komposisjonsregler og triks, som regelen om tredjedeler or Golden Ratio, er måter for artister å generalisere seernes vaner og forutsi hvordan bevegelse vil skje. Ledende linjer er kraftige verktøy for å lede bevegelse i den retningen du vil at den skal gå.
Selvfølgelig, viser bevegelse i arbeidet ditt påvirker også designbevegelsen. Menneskelige øyne tiltrekkes av ting i bevegelse, så en modells hår som flyter bak henne eller kjolen hennes som blåser i vinden er en fin måte å fange oppmerksomheten i et statisk bilde. Her er en omfattende samling av nettsted for frisørportefølje som referanse.
Balansere
Hva er balanse i designprinsipper?
Av alle designprinsippene er balanse den mest åpenbare å bruke på fotografering. Balanse refererer til den visuelle vekten, eller virkningen, av elementene i komposisjonen. En vanlig type balanse er symmetri, hvor deler av bildet speiler seg selv. Det handler ikke bare om refleksjoner – forestill deg et formelt spisebord i et palass, med alle stedsinnstillingene perfekt på linje. Scenen er vakker fordi hver side er et speilbilde av den andre. I design er dette kjent som symmetrisk balanse. De to halvdelene av scenen balanserer hverandre.
Like viktig er imidlertid begrepet asymmetrisk balanse. En asymmetrisk balanse forekommer mye mer vanlig, og det er opp til kunstneren eller fotografen å få det til. Ulike objekter kan balansere et bilde. For eksempel kan en stående figur balanseres i komposisjonen med et hvitt mellomrom. Designere bruker dette konseptet for å finne den riktige layouten for å få elementene deres til å fungere best mulig.
Asymmetrisk balanse er litt av en prøving og feiling. Når to forskjellige objekter balanserer hverandre, vil deres visuelle vekt avgjøre hvor langt fra hverandre de skal være og hvordan de skal arrangeres. Det er nesten som å lage en vibrerende balanse i en skolegård. Du kan lage en betydelig gjenstandsbalanse med en mindre, men du må leke med avstanden mellom dem for å få det til å fungere.
Det er også mulig å ha balanse rundt et sentralt punkt. Dette kalles radiell balanse. Hvis du fotograferer med eller designer grafikk basert på Golden Ratio, er du kanskje allerede kjent med konseptet. Sirkulære eller nav-og-eiker design er andre eksempler.
Rom
Hva er plass i designprinsipper?
Rom er delt inn i positivt og negativt rom. De er begge viktige komponenter å forstå, og de er nært knyttet til og påvirker balansen i et bilde. Positivt rom er det som er okkupert av objekter. Positiv plass er plassen fylt, og det er der du legger dine viktige ting.
Negativt rom er derimot rommet mellom objekter. Det kalles noen ganger hvitt rom, og det er et kritisk element i design. Det er nært knyttet til balanse fordi områder med hvitt mellomrom kan balansere "tyngre" områder av komposisjonen. Ikke bland mellomrom med kopirom. Kopierplass er et begrep som noen ganger brukes av fotografer for å betegne tomme områder i en komposisjon der designere og annonsører kan plassere teksten sin. Det er ikke det samme, for teoretisk sett ville du sette komposisjonen ut av balanse hvis du plasserte kopien i bildets hvite rom.
Andre designprinsipper
Det er mange flere teorier og designprinsipper å tenke på. Et annet designprinsipp er ideen om enhet. I et kunstverk betyr enhet at alle elementene og komponentene går sammen på en eller annen måte. De kan ikke alle være like, men de kan heller ikke være dramatisk forskjellige. Betrakteren må se sammenhengen for å forstå hvorfor de er plassert sammen. Det må være balanse mellom enhetens enhet og variasjonen av elementene i den for å skape et visuelt tiltalende arbeid. Når du snakker om estetikk, må du lese artikkelen vår om hva som er Estetikk i fotografi og hvordan kan man ta estetiske bilder.
Hierarki er ideen om at elementene skal ordnes og organiseres slik at betrakteren identifiserer dem i viktighetsrekkefølge.
Skala eller proporsjon er nært knyttet til balanse. Det refererer til hvor store ting som vises i bildet. I den fysiske verden er vi vant til å se ting basert på en kjent skala. Vi bruker vanligvis kroppen vår som en sammenligning for skala. Proporsjonene til menneskekroppen er kjent for alle, og de kan lett identifiseres som om de ser riktig ut eller ser feil ut.
Til slutt er rytme et annet designprinsipp som er nært knyttet til mønster og repetisjon. Begge disse prinsippene hadde å gjøre med plasseringen av elementer i verket. Rytmen går videre ved å inkludere følelsen og tempoet i verket. Det er et av elementene som ikke er lett å identifisere, men når det er til stede, fungerer det for designet. Når en rytme av organiserte elementer gjentas, vil det gi følelsen av bevegelse.
Hvordan bruke prinsippene for kunst og design i fotografi
Fotografer vil kanskje ikke innse betydningen av disse elementene i design i kunst og designprinsipper i kunst. For fotografen som er vant til å nærme seg en scene og fange ting som de er, kan det å forstå elementer av design i fotografering virke som en triviell øvelse. Kan du forestille deg en fotojournalist bekymre deg for hvite områder og balanse i øyeblikkets hete ved et politisk møte eller større nyhetsbegivenhet? Det er sannsynligvis det siste de tenker på.
Men i virkeligheten er det disse tingene som gjør verkene til en stor fotograf gjenkjennelige. Noen sier at du har et øye for fotografering, noe som er sant. Noen mennesker er født med talent og evnen til å produsere et fantastisk fotografi. Men fagfolk vil lære hvorfor noen bilder er bedre enn andre. Hva gjør at ett verk skiller seg ut fra andre? Å lære elementene i design og prinsipper for design i kunst går langt for å forstå hvordan magi skjer. Du må se på prinsipper for design i kunsteksempler og hvordan varierte komponenter fungerer sammen for å skape en estetisk bilde.
Et av de beste tipsene for å innlemme prinsipper for designbalanse, spesielt, er å gå tilbake fra kunstverket et øyeblikk. Jo lenger du fjerner deg fra den tredimensjonale scenen, jo bedre vil du se den. Live-view LCD-skjermmodusen til moderne DSLR og speilløse kameraer er et utmerket verktøy for dette. Med den kan du se komposisjonen din i sanntid i to dimensjoner. Du kan umiddelbart se balansen, kontrasten og bruken av plass. Er emnet vektlagt slik du har tenkt?
Hvis du ikke har en live-view LCD eller fotograferer på film, må du mentalt gå tilbake fra kunstverket og se på det med friske øyne. Som skaperen av kunstverket er det ofte vanskelig å finne ut hvordan sluttbetrakteren vil se det. Å rygge unna vil bidra til å gjøre elementene uskarpe og gi deg en bedre ide om den generelle komposisjonen.
konklusjonen
Lenge før kameraet ble oppfunnet, jobbet kunstnere hardt for å oversette verden rundt seg på lerretet. De utviklet triks og teknikker som du kan se forbedres gjennom århundrene hvis du går gjennom hallene til et kunstmuseum. De moderne teknikkene for grafisk design og fotografering har trukket fra denne omfattende historien for å gjøre arbeidet deres bedre. Til slutt jobber all billedkunst med å kommunisere den tredimensjonale verden med to dimensjoner. Når det er gjort godt, trekkes seerne kraftig inn i lerretet eller bildet.
En forståelse av designprinsippene vil hjelpe deg lage en velbalansert fotoportefølje. Det er viktig å investere omsorg og oppmerksomhet til elementene og prinsippene for design som er forklart ovenfor og å bruke dem på nettstedet ditt. Du må tenke ut av boksen, avdekke ditt kreative geni, finne uttrykket ditt og finne ut hvordan du kan presentere arbeidet ditt på best mulig måte. Fotonettsteder må gå lenger enn bare å vise frem talentet og bildene dine. Den må presentere din visjon for fremtiden, med hensyn til arbeidet du ønsker å gjøre, reflektere din personlighet og din stil og tilnærming til arbeidet.
Velg riktig plattform for å lage ditt fotonettsted.
Pixpa tilbyr alt du trenger for å lage et fotonettsted.
Pixpa er en nettstedsbyggerplattform som er klarert av kreative proffer jorden rundt. Utforsk alt egenskaper det gjør Pixpa det perfekte valget for fotografer og andre kreative fagfolk.
Hvis du er en grafisk designer, her er 25 enestående designporteføljenettsteder for å inspirere deg. Det er viktig at din online portefølje nettstedet er designet for å utfylle og vise frem arbeidet ditt tydelig uten å være distraherende.
Ofte Stilte Spørsmål
Hva er prinsippene for design?
Prinsippene for design er de grunnleggende prinsippene som gjør enhver visuell kunst tiltalende eller virkningsfull. I motsetning til elementene i kunst som ganske enkelt er gjenstandene som vises på lerretet, er designprinsipper de abstrakte teoriene og konseptene som spiller en rolle i selve kunstens komposisjon. Dette er ting som kontrast, mønster, betoning, balanse osv. som hjelper til med å gjøre et kunstverk tiltalende.
Hva er de 7 prinsippene for design?
De 7 prinsippene for design er kontrast, betoning, mønster, repetisjon, bevegelse, rom og balanse.
Hvordan bruke elementer av design i kunst?
Prinsippene for design spiller en stor rolle i sammensetningen av ethvert kunstverk. Når du tegner, skisserer eller komponerer stykket ditt, må du huske på prinsippene om balanse, bevegelse og plass. Kontrast, betoning etc spiller inn når du skal fargelegge tegningen. Etter prinsipper for design i kunst kan du lage et attraktivt og tiltalende stykke.
Hvordan bruke elementer av design i fotografering?
Siden fotografering er en kunstform som prøver å fange hendelser i tid i øyeblikket eller når de skjer, kan det noen ganger være vanskelig å ha prinsippene for design i tankene mens du tar et bilde. Et godt tips i dette tilfellet er imidlertid å gå tilbake et øyeblikk og tenke på komposisjonen av bildet sett gjennom kameralinsen og ikke slik det skjer. Å bruke LCD-skjermmodus i digitale kameraer er en god måte å sørge for at du kan se komposisjonen din slik den ser ut i to dimensjoner og deretter inkorporere designelementene slik du ser dem.
Hvor mange designprinsipper er det i kunst?
Det er ikke noe satt eller gitt nummer når det kommer til prinsippene for design. Ulike kilder og forfattere lister opp et ulikt antall prinsipper i samsvar med deres egen ekspertise og forståelse av designprinsippene. Generelt er det 7 hovedprinsipper for design, inkludert kontrast, betoning, mønster, repetisjon, bevegelse, rom og balanse.
Hva er viktigheten av designprinsippene?
Prinsippene for design er nøkkelen til å skape tiltalende og effektfull visuell kunst og design. Å følge prinsippene for design sikrer at all visuell kunst du lager er teknisk gjennomtenkt og riktig utformet. Dette hjelper kunstverket ditt til å skille seg ut og skiller gode komposisjoner fra dårlige eller middelmådige komposisjoner.