Anisha Singh 28. november 2019
Hva er kinematografi?
Jakten på visuell historiefortelling er kjernen i filmskaping. Det er denne kunsten å fortelle, kombinert med fotografering og arbeid med kamera i en film som kalles kinematografi.
Kinematografi, som et begrep, brukes ikke bare innen underholdningsfeltet; den kan også brukes i vitenskap, næringsliv og massemedia. I følge definisjonen gitt av American Society of Cinematographers (ASC), er kinematografien ikke bare dokumentasjonen av hva som skjer; det skaper også en original kunst ved en opplysende og kreativ prosess.
Å fortelle din egen unike historie ved å utforme et visuelt språk krever medfødt naturlig talent og kunnskap om profesjonelle fotograferingsferdigheter. I tillegg til fotografering, bruker en kinematograf andre medier som bildemanipulering, organisering, ledelse osv. for å oppnå ønsket resultat. Hvis en film må vises på storskjerm, bruker filmskapere vanligvis mesteparten av filmen budsjett på kinematografi av høy kvalitet.
Hva gjør en kinematograf?
Også kjent som Director of Photography (DP), er kinematografer de som fanger historien i visuelle bilder ved hjelp av et kamera. Kinematografer må klare alle de visuelle elementene i filmen, som f.eks belysning, komposisjon, fargetoner, kamerabevegelser og slikt. Så om en scene må fotograferes i vidvinkel eller nært, høyt eller lavt, skarpt eller uskarpt; det hele bestemmes av kinematografen.
Kinematografer leder hele mannskapet som jobber på kameraet og lysene i en film. Deres rolle er å jobbe sammen med direktøren for å sikre at direktørens visjon blir oppfylt. De må jobbe i et team som involverer komplekse beslutninger.
Vanligvis gir en regissør en brief om hvordan en scene skal se ut visuelt, og kinematografen har ansvaret for å oppnå det. I de fleste tilfeller ville kinematografen ha rikelig med kreativ frihet. Regissøren kan imidlertid også gi nøyaktige instruksjoner om det nøyaktige resultatet hun ønsker.
American Society of Cinematographers kårer de beste kinematografene i bransjen. De lar dem bruke "ASC" før navnene deres på studiepoengene til filmen.
Her er noen av ansvaret til en kinematograf i detalj:
Kameraoppsett og plassering
Kinematografen må bestemme hvor kameraet skal plasseres i et bestemt opptak. Hvis kinematografen velger å sette avstand mellom motivet og kameraet, vil det formidle en annen mening enn når kameraet er på nært hold. De må bestemme hvilket kamera og hvilke objektiver de skal bruke for å skildre en bestemt stil og mening. Noen viktige faktorer i kameraet er oppløsningen, fargesamplingen og lukkeren, som hjelper kinematografer å uttrykke det beste med lys og posisjon. Viktigheten er ikke bare kvaliteten, men også hvordan det visuelle forteller historien.
Kamerabevegelse
Kamerabevegelse spiller også en viktig rolle i å bestemme hvordan filmen skulle vise seg å bli. Vanligvis, i en actionfilm, følger kinematografer handlingen gjennom kameraet for å formidle den raske bevegelsen mens de kan holde kameraet stille for å vise intensiteten i øyeblikket.
sammensetning
Komposisjonen er det som bestemmer hvordan en scene vil se ut. Kinematografer må bestemme hvor de skal plassere hvert element i en bestemt scene. De kan bestemme om de vil vise eller skjule visse elementer i rammen. Tett innramming av et emne kan få frem følelser eller skape mystikk om hva som skjer rundt emnet. En scene kan også skildres på en måte at motivet i filmen kanskje ikke skjønner hva som skjer rundt mens publikum gjør det. Slike komposisjonsmetoder kan avgjøre hvordan publikum vil tolke historien.
Koordinasjon
Kinematografer må koordinere med andre medlemmer av mannskapet, som en lokasjonssjef for å undersøke stedene og finne ut av kameraets utsiktspunkter. De kan gi tilbakemeldinger om plasseringene til regissøren og forbedre det visuelle.
Belysning
Har du noen gang lagt merke til at en thrillerfilm vanligvis er ganske mørkt opplyst mens en komedie er lys? Belysning er noe folk ikke legger merke til naturlig. Men det endrer stemningen i filmen. Høynøkkelbelysning brukes ofte for å vise morsomme, glade følelser, og lavmælt belysning brukes ofte til å vise mystikk og humørfylte følelser. Derfor må kinematografer være eksperter på det og lære både kunstig og naturlig lys. Og de må vite hvordan de skal bringe riktig kontrast, dybde og former i en scene. Kinematografer designer lyssystemet for hele filmen, og Lead Lighting Technician er personen som skal utføre designet.
Kameraer og objektiver for kinematografer
Det er kinematografens ansvar å velge kameraet som brukes til å lage en film. Kinematografen må bestemme om han vil bruke et filmkamera eller et digitalt, hvilke typer objektiver som skal brukes, hvilken kamerainnstilling som vil være nødvendig, og hvilket annet utstyr som kreves.
Hvis filmen har et stort budsjett, betyr det ikke at den kan brukes til å få et dyrt kamera. Det er mange andre faktorer som må tas i betraktning, som hvor mange linser som kreves, hvor mye det vil koste for lysoppsettet og slikt. Den viktigste avgjørende faktoren for valg av utstyr bør være evnen til å fortelle historien. Selv filmer som har millioner av dollar i budsjett bruker billigere alternativer hvis det tjener historien bedre.
Et filmkamera kan brukes til å vise korn og tekstur. Digitalkameraet gir derimot et rent bilde. Digitalkameraer gir også muligheten til å bruke en bredere lukker enn filmkameraer. Du kan også fotografere i forskjellige filformater, noe som bidrar til å gi mer fleksibilitet i etterproduksjonen.
Objektiver
Prime-linser er mer brukt til å lage en film. Prime-objektivene har fast brennvidde, og de gir resultater av mye høyere kvalitet enn et zoomobjektiv. Kinematografer bruker 21 mm, 28 objektiver for å få et vidbilde, 50 mm for middels bilder og 85 mm til 105 mm for portrettbilder. Et av de vanligste festene for objektiver i de uavhengige produksjonene er Canon EF-fatning. Mens det er i store produksjonshus, brukes ARRI PL-festet. Linsene kan byttes ut ved å bruke speed booster eller adaptere.
Hva er noen vanlige kinematografiteknikker?
Finn en kreativ løsning
Å finne forskjellige og unike måter å filme på kan føre til en kinematografiteknikk som vil hjelpe til med å oppnå regissørens visuelle mål. Dette kan også kreve å lage en detaljert strategi for hvordan du skal gå frem for å få skuddene. Da Stanley Kubrik spilte inn filmen, ønsket Barry Lyndon, kinematografen John Alcott å filme hele filmen i naturlig lys. De ønsket til og med å flytte grensene ved å fotografere med levende lys for innendørs scener. Til dette lånte de en spesiell linse fra NASA som gjorde det mulig. Og resultatet av all denne innsatsen var et mesterverk.
Fokuser på historien
Kreativ filmstil er viktig, men ikke mer enn historien. Hvis en historie ikke er bra eller ikke riktig vist, vil ikke det å ha bare gode visuelle effekter eller teknikker gjøre filmen stor.
Angående dette sa Roger Deakins, den store kinematografen: "Det er ingenting verre enn et prangende opptak eller en eller annen lyssetting som trekker oppmerksomheten til seg selv, og du kan si: "Å, wow, det er spektakulært." Eller det spektakulære bildet, en stor kranbevegelse eller noe. Men det er ikke nødvendigvis riktig for filmen – du hopper ut, du tenker på overflaten, og du blir ikke værende der inne med karakterene og historien." Det visuelle utseendet til filmen bør være basert på faktoren som gjør filmen bedre.
Administrer tid effektivt
Kinematografi er en fullpakket jobb. Du må hele tiden samhandle med ulike avdelingsledere. Tid, som penger, ville aldri være nok. Den første AD vil være på hodet for å fullføre oppgavene og til slutt filmen i tide. Det er bedre å planlegge dekning, oppsett, lysplaner grundig før du starter fotograferingen. En kinematograf kan bruke ulike verktøy for å administrere oppgavene sine.
Kjenn til manuset
En kinematograf trenger imidlertid å ha den tekniske kunnskapen, men kreativitet spiller en like viktig rolle. Mange ganger er ikke kinematografen og kamerateamet godt kjent med manuset. Kinematografen, med inngående kjennskap til manuset, kan komme med nye forslag og spørsmål for å gjøre filmen bedre.
Bruk relevant utstyr
Å lage en flott film betyr ikke at du har det beste kameraet og objektivene. En kinematograf må lære hvilket utstyr som kan hjelpe til med å nå sluttmålene. Dette kan bety at du ikke nødvendigvis bruker den fullt utstyrte Alexa-pakken; selv ENG-kameraer kan gjøre jobben.
Lær av det beste
De store kinematografene har også lært av de store før dem. En kinematograf kan få kunnskap og gi den videre til neste generasjon ved å forbedre kinematografiteknikkene. Orson Welles, som lagde den anerkjente filmen Citizen Kane sa at John Ford inspirerte ham sterkt. Den legendariske kinematografen John Ford er kjent for å finne opp ulike lys- og kamerateknikker som western og chiaroscuro. Welles lærte teknikkene fra Ford og skapte sine egne klassikere og utviklet innovative lysteknikker.
Gjør kameratester
Å gjøre ordentlige tester før et opptak er kritisk. Ulike komponenter kan gå galt når selve fotograferingen finner sted. En kinematograf kan gjøre kameratesten ved å bruke chipvogner, fargekart og modeller. Sammen med testing er håndtering og vedlikehold av utstyret også viktig.
Finn den beste plasseringen
En god plassering kan løfte filmen til et annet nivå. Legg merke til lys- og værforholdene til forskjellige tider av døgnet og året. En god plassering vil bety at en kinematograf og mannskapet må jobbe mindre. En dårlig plassering vil kreve mer innsats for å oppnå ønsket resultat.
Ikke avhengig av postproduksjon
Den beste måten å få gode resultater på er å få det rett i kameraet. Postproduksjon kan hjelpe, men det vil ikke gjøre en dårlig filmet video bra. Å jobbe med etterproduksjon vil ta mer tid og penger. En god kinematograf bruker plassering, lyssetting og andre opptaksteknikker for å gjøre kinematografien enestående.
Hvordan blir du kinematograf?
Å gjøre en karriere innen kinematografi er ikke en lett oppgave. Og det er ingen måte å bli kinematograf på. Derfor er det fordelaktig å få utdanning i analog eller digital filmskaping. Utdanningen skal gi et bedre bilde av bransjen, bortsett fra undervisning om faget.
En person kan ta et sertifikatkurs, tilknyttet grad eller en bachelorgrad i kinematografi. For å gi filmjobber foretrekker arbeidsgivere en kandidat med en bachelorgrad.
Et sertifikatkurs vil lære kinematografer teknikkene på en fartsfylt måte. Det innebærer å lære om kamera og lys, og filmaksjer. Den tilknyttede graden vil inkludere forberedelse av det grunnleggende om film og TV, sammen med kinematografi, regi og lyddesign. Bachelorgraden vil gi praktisk opplæring i skyting og redigering, lyssetting, produksjon, animasjon og ledelse. Det vil også kreve at kinematografer jobber med et filmprosjekt mot slutten av kurset.
Etter endt utdanning kan de se til å jobbe som produksjonsassistent (PA) på et filmsett. På denne måten vil en person lære ferdigheter som brukes av en kinematograf. En person blir vanligvis ikke kinematograf umiddelbart etter utdanning. Man må være en andre assistent, første assistent, og til slutt personen som betjener kameraet.
En kinematograf kan begynne å jobbe med uavhengige filmer i begynnelsen av karrieren. De kan deretter bevege seg opp mot den profesjonelle verden for å finne filmjobber. Å jobbe med små teaterprosjekter vil hjelpe dem å finpusse ferdighetene sine og bygge kontakter i bransjen. For å gjøre nettverk, bør kinematografer delta på visninger, røde løperen-arrangementer, seminarer osv. De bør lese bransjerelevante magasiner for å beholde oppdatert med trendene og kunnskap.
Beste kinematografiskoler
University of California i Los Angeles
UCLAs School of Theatre, Film and Television-avdeling er en av de beste underholdnings- og opptredenene kunstinstitusjoner i verden. Skolen tilbyr hovedfags- og bachelorprogrammer innen skuespill, regi, skriving, kinematografi, lysdesign og mer
University of North Carolina School of the Arts i Winston-Salem
UNCSA har en sterk læreplan og tar en praktisk tilnærming til å undervise. I de første to årene blir studentene bedt om å skyte ulike digitale prosjekter, sammen med å lære dem i detalj den moderne filmproduksjonen. UNCSA har et bachelorkurs i kinematografi sammen med andre kurs i filmskaping som regi, animasjon, produksjon, manusskriving, etc.
University of South California i Los Angeles
USC er kjent for et stort antall alumner det har produsert, inkludert bemerkelsesverdige som George Lucas. Skolen tilbyr et bredt spekter av kurs i filmkunst.
AFI Conservatory, Los Angeles
American Film Institute tilbyr en praktisk tilnærming til filmskaping. AFI har kjente alumner som David Lynch, Rachel Morrison og Darren Aronofsky. Konservatorieprogrammet ledes av AFIs Senter for avanserte film- og fjernsynsstudier, som blant annet har kurs i regi, produksjon, skriving og kinematografi.
Beijing Film Academy
BFA er den største filminstitusjonen i Asia og kjører fra 65 år. Filmskolen lærer alt relatert til filmskaping fra produksjon, animasjon, kinematografi og mer. Akademiet er kjent over hele verden for sine prestasjoner innen filmproduksjon.
Få kinematografiterminologier
Shots – Skudd er den minste enheten i en film. Et enkelt skudd skilles fra det andre ved kutt eller overganger. Det er tusenvis av bilder i en narrativ film.
scener - Antall bilder tatt i løpet av et bestemt tidssett kalles en scene. Når stedet endres, vil det også være en endring i scenen. Scener har alene en begynnelse, en midte og en slutt. Og det ville være flere bilder i en scene.
Sekvenser - Mange scener danner sammen en sekvens. Sekvenser har også en begynnelse, en midtdel og en slutt. En sekvens kan ha flere steder. Det er rundt 20 sekvenser i en fortellende film.
Ekstremt langskudd - Denne typen bredbilder brukes når motivene skal vises i deres miljøsammenheng. Denne typen opptak brukes også når kinematografen skal vise to forskjellige steder.
Bird's Eye Shot - Bird's Eyeshot er også ekstremt bredt, men det er tatt fra toppvinkelen. I denne typen bilder begynner mønstre å dukke opp fra en scene. Dette er vanligvis sett i begynnelsen av en film.
Langskudd - I det lange bildet kan folk se hva som skjer i et område, men det er ikke nært nok til å ha en personlig forbindelse med motivet. Betrakteren føles som en del av scenen som om du ser på noen på avstand.
Middels skudd - Mellomskuddet brukes vanligvis til å vise folk i små grupper hvor det er utveksling av dialoger. Dette bildet er ennå ikke der på det følelsesmessige nivået. Tanken er å vise hva som skjer på et lite område. Skuddet er vanligvis innrammet fra en persons midje og opp. Å få skuddet litt mer lys vil vise følelsene til skuespilleren.
Nærbilde - I nærbildet vises stort sett en persons ansikt slik at virkningen av karakterens følelser overføres til seerne.
Ekstremt nærbilde - Når du ser et ekstremt nærbilde av øyne, hånd eller en gjenstand, tenk på dem som ekstreme nærbilder. Disse bildene brukes til å gjøre en scene intensiv.
Nederlandsk vinkelskudd - Dutch Angle Shot brukes når en kinematograf må vise manglende stabilitet eller når scenen krever noe mer forstyrrende. Denne teknikken gjøres ved å vippe kameraet mot den ene siden til bunnen ikke lenger er parallell med horisonten.
Over skulderen skudd - Dette bildet brukes vanligvis når en karakter snakker med den andre personen eller ser på noe. I slike bilder er skulderen og hodet til en karakter ute av fokus. Og det karakteren ser på er i fokus.
Tilt Shot - Tilt Shot beveger kameraet vanligvis fra opp til ned eller ned til opp. Dette bildet, når det kombineres med samme bevegelse av motivet, kan gi flotte resultater. Tilt shots kan brukes i begynnelsen av filmen som et åpningsskudd, eller for å avsløre noe på slutten av skuddet.
Panoreringsbilde - Panoreringsskuddet er veldig likt tiltskuddet, men det gjøres horisontalt. Dette bildet er tatt for å vise den horisontale bevegelsen til motivet eller for å vise omgivelsene.
Zoom Shot - Zoombildet tas for å øke fokus på motivet i en scene. Kinematografer har blitt flinkere til å ta dette bildet ved å vise zoomen mer naturlig.
Dolly Zoom Shot - Dolly-zoombildet beveger seg inn mot motivet på dolly-sporet med kameraet, mens kameraet zoomer jevnt ut på motivet.
Crane Shot - I kranbildet beveger kameraet seg mot motivet på en vertikal translasjonsmåte eller omvendt. Denne typen skudd er nå tatt med droner; det var tidligere med dyre kraner.
Sporingsskudd -Sporingsskuddet bruker en dolly-bane eller en drone for å følge motivet. Dette bildet viser mer livlighet til bevegelsen, noe som ikke oppnås når kameraet er stabilt.
Førstepersons skudd/perspektivbilde - Point-of-view-bildet er tatt ved å montere kamerafestet på motivet og vise filmen fra deres perspektiv. Denne teknikken brukes for å gjøre filmen mer engasjerende.
Beste kinematografiske filmer gjennom tidene
Mordet på Jesse James av feigingen Robert Ford (2007): Roger Deakins samarbeidet med Andrew Dominik i denne filmen. Filmen regnes blant de beste westernfilmene der Deakins benytter seg av lys på en fantastisk måte. Deakins brukte noen ganger de samme lysene i selve bildene. Han er kjent for å snakke med scenografer for å inkludere lysutstyret i settene. Deakins har klart å gi denne filmen utseendet til et falmet fotografi, som har et gammelt utseende, men som fortsatt er skarpt der det er teksturer.
Livets tre (2011): Regissør Terence Malick jobbet sammen med kinematograf Emmanuel Lubezki på denne filmen, kjent for sin beste kinematografi. Lubezki løftet regissørens visjon med sin kinematografi i verdensklasse. Han var i stand til å utforske filmens spirituelle kontekst på en strålende måte ved å bruke lys kreativt. Filmen har stort sett benyttet seg av naturlig lys. Lubezki har vist kampen på liv og død i filmen vakkert. Ifølge Lubezki var det utrolig vanskelig å jobbe med Terence på denne filmen. Det var som regissøren prøvde å lage en feil og ulykker, noe som førte til at filmen så veldig naturlig ut. De brukte naturlige elementer som vind, regn og sol i historien, noe som hjalp dem til å fange øyeblikkene, vakre øyeblikk som ikke varer lenge.
In the Mood for Love (2000): En av de beste kinematografifilmene, In the Mood for Love, er et samarbeid mellom tre kinematografer: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan og Ping Bin Lee. Kinematografien er gjort på en så hemmelighetsfull måte. Seerne føler at de lirker inn i livene til de to karakterene; som utvikler et hemmelig forhold i filmen. Den nysgjerrige følelsen oppnås ved gjennomtenkt plassering og innramming av kameraet. Sporingsbilder som viser baksiden av karakterene bidrar også til mysteriet.
The Immigrant (2013): Kjent for sin beste kinematografi, Darius Khondji, viser denne filmen som en klassiker som er vanskelig å huske. Khondji har jobbet med noen flotte filmer som Evita, Seven, Midnight in Paris, osv. Han har med suksess klart å vise New York-scenen fra 1920-tallet i denne filmen, sammen med å gjøre den amerikanske drømmen mer tiltalende.
Langt fra himmelen (2002): Ed Lachman, kinematografen på filmen, har samarbeidet med regissør Todd Haynes om mange prosjekter, men «Far from Heaven» er spilt inn på et helt nytt nivå. Lachmans utfordring var å skape utseendet til et overhead-gitterlys, med fargetonene som skulle mettes. Han måtte jobbe med film fra 2002 i denne filmen, og likevel klarte han å vise følelsene til karakterene med fascinerende fargepaletter.
Som en ambisiøs kinematograf må du ha et godt strukturert nettsted som viser porteføljen din på en ren, minimalistisk måte. Nettstedet ditt vil representere din arbeidsstil og tiltrekke flere kunder og forespørsler. Mulighetene er mange, men du må sørge for at seerne forstår ideen og konseptet bak arbeidet ditt, enten det er kinematografi, videoproduksjon eller regi.
Gurpreet Singh
