Vad är kinematografi?
Strävan efter visuellt berättande är kärnan i filmskapandet. Det är denna konst att berätta, kombinerat med fotografi och att arbeta med en kamera i en film som kallas för film.
Kinematografi, som en term, används inte bara inom underhållningsområdet; den kan också användas inom vetenskap, affärer och massmedia. Enligt definitionen som ges av American Society of Cinematographers (ASC) är kinematografin inte bara dokumentationen av vad som händer; det skapar också en originell konst genom en upplysande och kreativ process.
Att berätta din egen unika historia genom att utforma ett visuellt språk kräver medfödd naturlig talang och kunskap om professionella fotografiska färdigheter. Förutom fotografering använder en filmfotograf andra medier som bildmanipulation, organisation, ledning etc. för att uppnå önskat resultat. Om en film måste visas på den stora duken spenderar filmskapare vanligtvis det mesta av sin film budget på film av hög kvalitet.
Vad gör en filmfotograf?
Även känd som Director of Photography (DP), är filmfotografer de som fångar berättelsen i bilder med hjälp av en kamera. Filmfotografer måste hantera alla visuella element i filmen, som t.ex belysning, komposition, färgtoner, kamerarörelser och sådant. Så om en scen behöver spelas in i vidvinkel eller nära, hög eller låg, skarp eller oskarp; allt bestäms av filmfotografen.
Filmfotografer leder hela besättningen som arbetar på kameran och ljusen i en film. Deras roll är att arbeta tillsammans med regissören för att säkerställa att regissörens vision uppfylls. De måste arbeta i ett team som involverar komplext beslutsfattande.
Vanligtvis ger en regissör en kort om hur en scen ska se ut visuellt, och filmfotografen har ansvaret att uppnå det. I de flesta fall skulle filmfotografen ha gott om kreativ frihet. Men regissören kan också ge exakta instruktioner om det exakta resultatet hon vill ha.
American Society of Cinematographers utmärker de bästa filmfotograferna i branschen. De tillåter dem att använda "ASC" före sina namn på filmtexterna.
Här är några av en filmfotografs ansvarsområden i detalj:
Kamerainställning och placering
Filmfotografen måste bestämma var kameran ska placeras i en viss bild. Om filmfotografen väljer att sätta avstånd mellan motivet och kameran så skulle det förmedla en annan innebörd än när kameran är på nära håll. De måste bestämma vilken kamera och linser som ska användas för att skildra en viss stil och betydelse. Några viktiga faktorer i kameran är upplösningen, färgsamplingen och slutaren, vilket hjälper filmfotografer att uttrycka det bästa med ljus och position. Det viktiga är inte bara kvaliteten utan även hur det visuella berättar historien.
Kamerarörelse
Kamerarörelser spelar också en viktig roll för att bestämma hur filmen skulle bli. Vanligtvis, i en actionfilm, följer filmfotografer handlingen genom kameran för att förmedla den snabba rörelsen samtidigt som de kan hålla kameran stilla för att visa intensiteten i ögonblicket.
Sammansättning
Kompositionen är det som avgör hur en scen skulle se ut. Kinematografer måste bestämma var de ska placera varje element i en viss scen. De kan bestämma om de ska visa eller dölja vissa delar av ramen. Att rama in ett ämne kan få fram känslor eller skapa mystik om vad som händer runt ämnet. En scen kan också porträtteras på ett sätt så att motivet i filmen kanske inte inser vad som händer runt omkring medan publiken gör det. Sådana kompositionsmetoder kan avgöra hur publiken kommer att tolka berättelsen.
Samordning
Filmfotografer måste samordna med andra medlemmar av besättningen, som en platschef för att undersöka platserna och ta reda på kamerans utsiktspunkter. De kan ge sin feedback om platserna till regissören och förbättra det visuella.
Belysning
Har du någonsin märkt att en thrillerfilm vanligtvis är ganska mörkt upplyst medan en komedi är ljus? Belysning är något som människor inte märker naturligt. Men det förändrar stämningen i filmen. Högtalande belysning används ofta för att visa roliga, glada känslor, och lågmäld belysning används ofta för att visa mystik och stämningsfulla känslor. Därför måste filmfotografer vara experter på det och måste lära sig både artificiellt och naturligt ljus. Och de måste veta hur de ska få in rätt kontrast, djup och former i en scen. Kinematografer designar ljussystemet för hela filmen, och huvudljusteknikern är den person som ska utföra designen.
Kameror och objektiv för filmfotografer
Det är filmfotografens ansvar att välja den kamera som används för att göra en film. Filmfotografen måste bestämma om han vill använda en filmkamera eller en digital, vilka typer av objektiv som kommer att användas, vilken kamerainställning som skulle behövas och vilken annan utrustning som skulle behövas.
Om filmen har en stor budget skulle det inte betyda att den kan användas för att få en dyr kamera. Det finns många andra faktorer att ta hänsyn till, som hur många linser som krävs, hur mycket det skulle kosta för belysningsinställningen och så. Den huvudsakliga avgörande faktorn för att välja utrustning bör vara dess förmåga att berätta historien. Även filmer som har miljontals dollar i budget använder billigare alternativ om det tjänar historien bättre.
En filmkamera kan användas för att visa korn och textur. Digitalkameran ger å andra sidan en ren bild. Digitalkameror ger också möjlighet att använda en bredare slutare än filmkameror. Du kan också fotografera i olika filformat, vilket hjälper till att ge mer flexibilitet i efterproduktion.
Objektiv
Prime-linser används mer för att göra en film. Prime-linserna har fast brännvidd, och de ger resultat av mycket högre kvalitet än ett zoomobjektiv. Filmfotografer använder 21 mm, 28-objektiven för att få en bred bild, 50 mm för medelstora bilder och 85 mm till 105 mm för porträttbilder. Ett av de vanligaste fästena för objektiv i de oberoende produktionerna är Canon EF-fäste. I stora produktionshus används ARRI PL-fästet. Linserna kan bytas ut genom att använda speed booster eller adaptrar.
Vilka är några vanliga kinematografitekniker?
Hitta en kreativ lösning
Att hitta olika och unika sätt att fotografera kan leda till en kinematografiteknik som hjälper till att uppnå regissörens visuella mål. Detta kan också kräva att man gör en detaljerad strategi för hur man ska gå tillväga för att få skotten. När Stanley Kubrik spelade in filmen, Barry Lyndon, ville filmfotografen John Alcott spela in hela filmen i naturligt ljus. De ville till och med tänja på gränserna genom att fotografera med levande ljus för inomhusscener. För detta lånade de en speciell lins från NASA som gjorde det möjligt. Och resultatet av alla dessa ansträngningar var ett mästerverk.
Fokusera på berättelsen
Kreativ filmstil är viktig men inte mer än berättelsen. Om en berättelse inte är bra eller inte visas på rätt sätt, kommer det inte att göra filmen bra med bara bra visuella effekter eller tekniker.
Angående detta sa Roger Deakins, den store filmfotografen: "Det finns inget värre än en prålig tagning eller någon ljussättning som drar uppmärksamheten till sig själv, och du kan säga, "Oj, wow, det är spektakulärt." Eller det där spektakulära skottet, en stor kranrörelse eller något. Men det är inte nödvändigtvis rätt för filmen – du hoppar ut, du tänker på ytan och du stannar inte där med karaktärerna och historien." Det visuella utseendet på filmen bör baseras på den faktor som gör filmen bättre.
Hantera tid effektivt
Kinematografi är ett fullspäckat jobb. Du måste interagera med olika avdelningschefer hela tiden. Tid, som pengar, skulle aldrig räcka till. Den första AD kommer att vara på huvudet för att slutföra uppgifterna och i slutändan filmen i tid. Det är bättre att planera täckningen, inställningarna, belysningsplanerna noggrant innan du påbörjar fotograferingen. En filmfotograf kan använda olika verktyg för att hantera sina uppgifter.
Känner till manuset
En filmfotograf måste dock ha det tekniska kunnandet, men kreativiteten spelar en lika viktig roll. Många gånger är filmfotografen och kamerateamet inte så insatta i manuset. Filmfotografen, med den djupa kunskapen om manuset, kan ta fram nya förslag och frågor för att göra filmen bättre.
Använd relevant utrustning
Att göra en bra film betyder inte att ha den bästa kameran och objektiven. En filmfotograf måste lära sig vilken utrustning som kan hjälpa till att uppnå slutmålen. Detta kan innebära att du inte nödvändigtvis använder det fullt utrustade Alexa-paketet; även ENG-kameror kan göra jobbet.
Lär dig av de bästa
De stora filmfotograferna har också lärt sig av de stora före dem. En filmfotograf kan få kunskap och föra den vidare till nästa generation genom att förbättra filmteknikerna. Orson Welles, som gjorde den hyllade filmen Citizen Kane sa att John Ford mycket inspirerade honom. Den legendariske filmfotografen John Ford är känd för att uppfinna olika ljus- och kameratekniker som western och chiaroscuro. Welles lärde sig teknikerna från Ford och skapade sina egna klassiker och utvecklade innovativa ljustekniker.
Gör kameratester
Att göra ordentliga tester innan en fotografering är avgörande. Olika komponenter kan gå fel när själva fotograferingen äger rum. En filmfotograf kan göra kameratestet genom att använda chipvagnar, färgkartor och modeller. Tillsammans med testning är hantering och underhåll av utrustningen också viktiga.
Hitta den bästa platsen
En bra plats kan lyfta filmen till en annan nivå. Notera ljus- och väderförhållandena vid olika tider på dygnet och året. Ett bra läge skulle innebära att en filmfotograf och besättningen måste arbeta mindre. En dålig placering skulle kräva mer ansträngning för att uppnå önskat resultat.
Var inte beroende av Post Production
Det bästa sättet att få bra resultat är att få det rätt i kameran. Postproduktion kan hjälpa, men det kommer inte att göra en dåligt tagen video bra. Att arbeta med efterproduktion kommer att ta mer tid och pengar. En bra filmfotograf använder sig av plats, ljus och andra fotograferingstekniker för att göra kinematografin enastående.
Hur blir man filmfotograf?
Att göra karriär inom film är ingen lätt uppgift. Och det finns inget sätt att bli filmfotograf. Därför är det fördelaktigt att utbilda sig i analog eller digital filmskapande. Utbildningen ska ge en bättre bild av branschen, förutom undervisning i ämnet.
En person kan göra en certifikatkurs, associerad examen eller en kandidatexamen i kinematografi. För att tillhandahålla filmjobb föredrar arbetsgivare en kandidat med en kandidatexamen.
En certifikatkurs kommer att lära filmfotografer teknikerna på ett snabbt sätt. Det handlar om att lära sig om kamera och belysning, och filmbestånd. Den associerade examen kommer att inkludera att förbereda grunderna för film och tv, tillsammans med film, regi och ljuddesign. Kandidatexamen kommer att ge praktisk träning i fotografering och redigering, ljussättning, produktion, animering och ledarskap. Det skulle också kräva att filmfotografer arbetade med ett filmprojekt mot slutet av kursen.
Efter avslutad utbildning kan de se till att arbeta som produktionsassistent (PA) på en filmuppsättning. På så sätt kommer en person att lära sig färdigheter som används av en filmfotograf. En person blir vanligtvis inte filmfotograf direkt efter utbildningen. Man måste vara en andra assistent, första assistent och slutligen den person som styr kameran.
En filmfotograf kan börja arbeta med oberoende filmer i början av sin karriär. De kan sedan gå upp mot den professionella världen för att hitta filmjobb. Att arbeta med små teaterprojekt kommer att hjälpa dem att finslipa sina kunskaper och bygga kontakter i branschen. För att skapa nätverk bör filmfotografer delta i visningar, röda mattan-evenemang, seminarier etc. De bör läsa branschrelevanta tidningar för att behålla uppdaterad med trenderna och kunskap.
Bästa filmskolor
University of California i Los Angeles
UCLAs School of Theatre, Film and Television-avdelning är en av de bästa underhållningen och uppträdandet konstinstitutioner i världen. Skolan erbjuder forskarutbildning och grundutbildning i skådespeleri, regi, skrivande, film, ljusdesign och mer
University of North Carolina School of the Arts i Winston-Salem
UNCSA har en stark läroplan och har ett praktiskt förhållningssätt för att undervisa. Under de första två åren ombeds eleverna att filma olika digitala projekt, tillsammans med att lära dem i detalj den moderna filmproduktionen. UNCSA har en kandidatkurs i kinematografi tillsammans med andra kurser i filmskapande som regi, animation, produktion, manusförfattande, etc.
University of Southern California i Los Angeles
USC är känt för ett stort antal alumner som det har producerat, inklusive anmärkningsvärda sådana som George Lucas. Skolan erbjuder ett brett utbud av kurser i filmkonst.
AFI Conservatory, Los Angeles
American Film Institute erbjuder ett praktiskt tillvägagångssätt för filmskapande. AFI har välkända alumner som David Lynch, Rachel Morrison och Darren Aronofsky. Konservatorieprogrammet leds av AFI:s Centrum för avancerade film- och tv-studier som har kurser i bland annat regi, produktion, skrivande och film.
Peking Film Academy
BFA är den största filminstitutionen i Asien och pågår från 65 år. Filmskolan lär ut allt som rör filmskapande från produktion, animation, film och mer. Akademin är känd över hela världen för sina prestationer inom filmproduktion.
Få filmterminologier
skott – Skott är den minsta enheten i en film. Ett enda skott skiljs från det andra genom skärningar eller övergångar. Det finns tusentals bilder i en berättande film.
scener - Antalet bilder som tagits under en viss tidsperiod kallas en scen. När platsen ändras skulle det också ske en förändring i scenen. Scener har i sig en början, en mitt och ett slut. Och det skulle vara flera bilder i en scen.
Sekvenser - Många scener bildar tillsammans en sekvens. Sekvenser har också en början, en mitt och ett slut. En sekvens kan ha flera platser. Det finns ett 20-tal sekvenser i en berättande film.
Extremt långskott - Dessa typer av breda bilder används när motiven ska visas i sitt miljösammanhang. Dessa typer av bilder används också när filmfotografen ska visa två olika platser.
Fågelperspektiv - The Bird's Eyeshot är också extremt brett, men det är taget från den övre vinkeln. I den här typen av bilder börjar mönster dyka upp från en scen. Detta ses vanligtvis i början av en film.
Långskott - I det långa skottet kan människor se vad som händer i ett område, men det är inte tillräckligt nära för att ha en personlig koppling till motivet. Tittaren känns som en del av scenen som om du tittar på någon på avstånd.
Medium skott - Mellanskottet används vanligtvis för att visa människor i små grupper där det sker ett utbyte av dialoger. Den här bilden är ännu inte där på det känslomässiga planet. Tanken är att visa vad som händer på ett litet område. Bilden är vanligtvis inramad från en persons midja och upp. Att få skottet lite mer ljus kommer att visa skådespelarens känslor.
Närbild skott - I närbilden visas mestadels en persons ansikte så att påverkan av karaktärens känslor överförs till tittarna.
Extrem närbild - När du ser en extrem närbild av ögon, hand eller något föremål, tänk på dem som extrema närbilder. Dessa bilder används för att göra en scen intensiv.
Holländskt vinkelskott - Dutch Angle Shot används när en filmfotograf måste visa brist på stabilitet eller när scenen kräver något mer störande. Denna teknik görs genom att kameran lutas mot ena sidan tills botten inte längre är parallell med horisonten.
Över axeln skott - Den här bilden används vanligtvis när en karaktär pratar med den andra personen eller tittar på något. I sådana bilder är axeln och huvudet på en karaktär ur fokus. Och vad karaktären tittar på är i fokus.
Tilt skott - Tilt Shot flyttar kameran vanligtvis från upp till ner eller ner till upp. Denna bild, i kombination med samma rörelse av motivet, kan ge fantastiska resultat. Tiltbilder kan användas i början av filmen som en öppningsbild, eller för att avslöja något i slutet av tagningen.
Panoreringsskott - Panoreringsskottet är mycket likt tiltskottet, men det görs horisontellt. Den här bilden är tagen för att visa motivets horisontella rörelse eller för att visa omgivningen.
Zoombild - Zoombilden tas för att öka fokus på motivet i en scen. Filmfotografer har blivit bättre på att ta den här bilden genom att visa zoomen mer naturligt.
Dolly Zoom Shot - Dolly-zoombilden rör sig in mot motivet på dolly-spåret med kameran, medan kameran mjukt zoomar ut på motivet.
Crane Shot - I kranbilden rör sig kameran mot motivet på ett vertikalt translationssätt eller vice versa. Den här typen av skott tas nu med hjälp av drönare; det var tidigare med dyra kranar.
Spårningsskott -Spårningsbilden använder en dollybana eller en drönare för att följa motivet. Den här bilden visar mer livlighet i rörelsen, vilket inte uppnås när kameran är stabil.
Förstapersonsbild/bild från synvinkel - Synvinkelbilden tas genom att montera kamerafästet på motivet och visa filmen från deras perspektiv. Denna teknik används för att göra filmen mer engagerande.
Bästa kinematografiska filmer genom tiderna
Mordet på Jesse James av fegisen Robert Ford (2007): Roger Deakins samarbetade med Andrew Dominik i den här filmen. Filmen räknas till de bästa westernfilmerna där Deakins utnyttjar ljuset på ett fantastiskt sätt. Deakins använde ibland samma lampor i själva bilderna. Han är känd för att prata med scenografer för att inkludera ljusutrustningen i uppsättningarna. Deakins har lyckats ge den här filmen utseendet av ett blekt fotografi, som har ett gammalt utseende men fortfarande är skarp där det finns texturer.
Livets träd (2011): Regissören Terence Malick arbetade med filmfotografen Emmanuel Lubezki på den här filmen, känd för sin bästa film. Lubezki lyfte regissörens vision med sin film i världsklass. Han kunde utforska filmens andliga sammanhang på ett briljant sätt genom att använda ljus kreativt. Filmen har mestadels använt sig av naturligt ljus. Lubezki har visat kampen på liv och död i filmen vackert. Enligt Lubezki var det otroligt svårt att arbeta med Terence på den här filmen. Det var som att regissören försökte skapa ett misstag och olyckor, vilket ledde till att filmen såg väldigt naturlig ut. De använde sig av naturliga element som vind, regn och sol i berättelsen, vilket hjälpte dem att fånga ögonblicken vilka vackra ögonblick som inte varar länge.
In the Mood for Love (2000): En av de bästa filmfilmerna, In the Mood for Love, är ett samarbete mellan tre filmfotografer: Christopher Doyle, Pung-Leung Kwan och Ping Bin Lee. Filmen är gjord på ett så hemlighetsfullt sätt. Tittarna känner att de nyfikar in i de två karaktärernas liv; som utvecklar en hemlig relation i filmen. Den nyfikna känslan uppnås genom genomtänkt placering och inramning av kameran. Spårningsbilder som visar karaktärernas baksida bidrar också till mysteriet.
The Immigrant (2013): Känd för sin bästa film, Darius Khondji, visar den här filmen som en svår att komma ihåg klassiker. Khondji har arbetat på några fantastiska filmer som Evita, Seven, Midnight in Paris, etc. Han har framgångsrikt kunnat visa 1920-talets New York-scene i den här filmen, tillsammans med att göra den amerikanska drömmen mer tilltalande.
Far from Heaven (2002): Ed Lachman, filmfotografen på filmen, har samarbetat med regissören Todd Haynes i många projekt, men "Far from Heaven" är inspelad på en helt ny nivå. Lachmans utmaning var att skapa utseendet av ett överliggande rutnätsljus, med färgtonerna som skulle mättas. Han var tvungen att arbeta med film från 2002 i den här filmen, och ändå lyckades han visa karaktärernas känslor med fascinerande färgpaletter.
Som blivande filmfotograf måste du ha en välstrukturerad webbplats som visar upp din portfölj på ett rent, minimalistiskt sätt. Din webbplats kommer att representera din arbetsstil och locka fler kunder och förfrågningar. Möjligheter finns i överflöd, men du måste se till att tittarna förstår idén och konceptet bakom ditt arbete, oavsett om det är film, videoproduktion eller regi.